苦难辉煌纪录片读后感

纪录片海豚湾影评。

“读书百遍，其义自见。”书是雨露，能滋润干枯之心。读书不仅仅是获取广泛的知识，陶冶情操，还能缓解焦虑，调节情绪。我相信每个人看了优秀的书籍后，内心都一定会有所触动。对于写读书心得我们可以从哪些方面着手呢？以下由小编收集整理的《纪录片海豚湾影评》，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。

纪录片海豚湾影评（一）

第八十二届奥斯卡最佳纪录片奖，让这部名为《海豚湾》的环保主题影片进入大众的视野。这部电影纪录前海豚训练师里？奥巴瑞带领摄制团队前往日本太地町，揭露当地残杀海豚并冒充鲸鱼肉贩卖的故事，并试图寻找这种残忍背后的原因，以及对这一事件的改变所做出的努力。

毋庸置疑的是，这部影片在话题的选择，素材的选择，形成感受，传递情感等方面达到的某种极致。

影片中戏剧化的剪辑方式，以及充分的奇景展示和情感渲染使影片保护海豚的主题得到充分的表达。比如，影片中一个冲浪运动员在讲述海豚在他面对虎鲨的威胁时拔刀相助的下一个镜头讲述的是在太地町每年有23000只海豚被屠杀；在海豚馆中，一个小男孩在出售海豚肉的货架前好奇张望，而一个小女孩正爱不释手的抱着海中的海豚形象的布偶；影片中被海豚鲜血染红的海洋，以及受伤的海豚疯狂的挣扎，一直小海豚拖着满身的鲜血游向镜头，渴望获救，但最终无望的沉入海底。当影片的主人公因为小海豚的死去而流泪的时候，在旁监视他们的渔民却在麻木调侃和挑衅的嘲笑。这些触目惊心画面像针一样扎进观众的心里，人内心激发的不仅仅是对这种残杀海豚这种行为的痛恨，更是对自身的反思，以及本能的想去为海豚做些什么。

影片对蒙太奇的精彩运用，以及通过在视觉上、声音上和话语上反复营造一种诉求，一种神入的效果我不是海豚，但我仿佛进入这样一个通人性爱人类的动物种群之中，感同身受。于此同时，《海豚湾》的叙事方式，对题材，海豚主人公，以及叙述者本人的深度探索之间相互交融，其中所形成的节奏性与戏剧性与一般的纪录片冗长，沉闷的叙事方式相比有了很大的创新。该种叙事方式对影片主题的表达，以及提高影片的影响力及可看度发挥了重要的作用。

揭露真相作为纪录片的灵魂，导演在这方面延续的《华氏911》《医疗内幕》的导演迈克尔？摩尔的归谬式采访和贯穿全片的取证行动。典型的段落如片中对日本渔业部副部长诸贯秀树的归谬式采访，以及对日本通过收买小国选票试图恢复商业捕鲸的揭示，还有片中对日本政府勾结媒体隐瞒海豚肉中汞含量严重超标的指责（当然还有对捕鲸协会副会长森下助二的讽刺性描写）。

面对当地渔民与政府及各种机构的阻扰，影片的制作者使出了十一罗汉般的各种绝技，导演路易？皮斯霍斯说：我找来了我的好朋友--加拿大潜水女冠军曼迪-雷？克鲁克谢克（MandyRae-Cruickshank）和自由潜水教练克科？克拉克（KirkKrack），让他们帮助我们在水下偷偷装上摄像机和听音器，在特效公司工业光魔的帮助下，我们制造出了能够将高清摄像机藏在里面的假岩石。然后还有一位电学专家，为我们提供的则是一个高速的马力系统，维持摄像机最大限度地运转。另外，他还给我们制作了无人驾驶的遥控飞机模型，提供的是天线的支撑和摄像功能，模型下方装着一架同样能够远程控制的高清摄像机。于是，我们看到了海洋馆中看似微笑和快乐的海豚不得不服用一瓶瓶的抗酸剂和胃泰美用来治疗胃溃疡，因为它们面临巨大的压力噪音；我们看到宁静美丽的海滨小城里，景色秀丽的海湾里居然有一个深不可测的屠宰场，每年有23000只海豚在这里被血腥的屠杀。我们看到学校里孩子们在不知情的情况下食用含高汞的海豚肉。

这部纪录片在艺术性和合影响力上取得巨大成功的同时，它也作为一个文本，无意间耦合了丰富的东西方文化的内容。作为一部以美国视角记录发生在东方文化语境中的事件的纪录片，它体现了美国作为一个只有四百多年历史的一个移民国家，其自由，平等的思想扎根于本民族血液中。林达在《近距离看美国》中说道，在纽约，有世界上一百八十多个国家的移民，虽然他们的祖先来自世界各地，但他们彼此接受认可对方，认为大家都是平等的美国人。这种平等扩大到人与动物，与自然的平等。而正是这种平等，也使得美国人更能够站在动物们的角度去思考人类对它们的行为。所以影片一开始就站在道德高度对太地町的捕猎行为的批判。

日本作为一个人口密度大，资源匮乏的岛国，且在历史上自然，人为灾难不断，由于极度缺乏安全感在长期生活中形成的对资源的欲望以及一种集体无意识中对海洋资源的依赖和占有。所以这部影片上映后，面对指责，太地町的发言人声称这（指捕杀，食用海豚）是我们的传统，这是我们的文化，你们根本不了解我们。

从大的方面说，这部影片更是体现了在市场经济下人的欲望被无限制的放大，而包括人类自身在内的动物界的伦理被忽视。影片中我们看到，当海豚表演发展成一个年产值数十亿的产业时，便有了人们疯狂的捕捉海豚。人们甚至可以为了利益，将不能食用的海豚肉送进学校，丝毫不顾及儿童的健康。

影片给观众带来的思考不仅仅是关于海豚，更让我们反思在工业文明进行数百年之后，我们在享受由此带来的丰富与便利的同时，满足人类日益膨胀的欲望的同时，却忽略了与自然，与环境，与地球的和谐。这个地球上每天都上演着涸泽而渔，焚林而猎的悲剧。大部分人每天都在为各种利益头破血流并且乐此不疲。人们无暇考虑自身的行为是否违背了自然之道，天地之道并且自身是否最终将遭受来自自然的惩罚。

纪录片海豚湾影评（二）

文/陈雅琳

作为一种影画艺术，一部电影想要在各种国际奖项中得到认可，就必须有一定的深度和内涵，并且传递某种被大众所认可的价值观。作为曾获奥斯卡奖项的纪录片，《海豚湾》自然也是有其深刻内涵的。

戛纳电影节评选影片更加侧重于拍摄手法等的创新，奥斯卡则看重电影深度和票房。实际上，作为一部纪录片，《海豚湾》一片中并没有如ｃｕｌｔ片一样具有太多独特的拍摄手法或者剪辑手法，可以说得上是中规中矩，其能够荣获奥斯卡的根本原因在于其所传递的深度和价值观。如《阿甘正传》表现的是美国梦这一引人入胜的主题，《海豚湾》最主要的主题则是在于人与自然的关系这一主题。

当然，倡导人与自然和谐相处的影片并不仅仅是《海豚湾》，此外还有《熊的故事》、《虎兄虎弟》等电影存在。我所想要特别指出的是《海豚湾》在传递其主要主题之外所夹带私货的一些东西。或者说，价值观在电影中的传递问题。

撇开感动人的情节，也撇开人与自然和谐相处这个没有错的价值观来说。《海豚湾》本质上是纪录片，而作为纪录片，本身应该是讲故事而不评论的。但这部影片在讲述故事的同时本身就天然有了评判的立场，假使是单纯站在纪录片的角度上来说，《海豚湾》恐怕存在一些问题。而《海豚湾》一片中，所传递的价值观实在很多。

众所周知，电影本身就是一种文化输出的工具，目前为止通过电影输出自己的文化最为成功的国家就是美国。其电影所灌输的价值观通常是以下几项：

美国拯救世界美国的超级英雄或者别的什么。

美国总是正义的通过对比美国和其他国家等。

美国梦在美国有更多的机会和条件实现自己的梦想。

我们再来对比《海豚湾》，很容易就发现其中隐藏的美式价值观。

首先，作为事实主角的理查德贝瑞，从一个海豚驯养师到拯救试图拯救海豚的人，本身是一种正义。而他的正义，从某种程度上所传递的则是美国的正义，并且通过猎杀海豚的渔民们的做法，进一步有了正义和邪恶之分。潜在展现了美国的大国形象，并且对近年来经济取得重要地位，但是在太平洋上隐隐对美国造成一定威胁的日本进行了一次打压。这是在国际声誉方面的。

其次，理查德贝瑞在宣扬正确的理念，要求保护动物美国拯救世界。通过宣扬正确的理念，保护生态，保护世界。自然，保护生态是对的。但是在这一点上，电影所传递的价值观还有一些不得不提的背景。当今世界在文化方面占据主导地位的是欧美地区，即在工业革命中率先发展起来的地区。这些地区已经经过了污染、屠杀、灭绝这一步骤，逐渐完全过渡到保护、维护、循环这一步骤。因为在国际分工中占据技术优势，这些国家将国际分工中的脏活累活分给其他发展中国家，将污染、屠杀、灭绝等等问题转嫁给了发展中国家。

而为了谋求国家的发展，为了国家的强大，一般的发展中国家不得不妥协，接受分工。于是，发展中国家的产业通常存在种种问题高污染，如采矿业等等；廉价，如中国的稀土行业；刻薄剥削，如南美血汗工厂。而在这些消耗大量自然资源的行业中，发展中国家依托廉价劳动力等发展起来的优势，同样会被以各种方法抵制。针对高污染产业，发达国家谈碳排放问题；针对剥削问题，也拒不接受血汗工厂的产品。名为保护，实际上是进一步的剥削压榨。当然，海豚宰杀产业实际上是日本方面的问题，并不是以上提到的。然而本质上这部影片所表现出来的东西却让人下意识按照美国立场去考虑，单纯地将美方作为正确的一方，没有考虑更多。实际上，美国并没有拯救世界。

第三，一个纪录片剧组冲破日本政府的封锁，通过种种方式去拍摄一部纪录片并大获成功，这是典型的美国梦剧情。电影剪辑中将这些情节放在其中，一方面表现了情节的波折，另一方面同样也展现了美国梦的价值观。为美国树立了一个实现理想和追求正义的光辉形象，从本质上来说，《海豚湾》在美国国内，无疑是十分的政治正确的，这也是其可以获奖的重要原因之一。

１９８１年，由于电影《铁人》的政治突破，它获得了当年的戛纳最佳影片奖。其所传递的价值观十分符合当时西方资本主义国家的需要，故而即使是想让政治走开的戛纳也无法免俗。而一部政治不正确的电影，即使是传世巨作在各大电影节上也是不会轻易获奖的。掌握了电影界话语权的犹太人通过电影传递了犹太人是受害者，是值得支持的这一价值观。

相应的，《海豚湾》一方面有着符合美国需要的正确价值观，又选择了绝对正确的倡导人与自然和谐相处，谴责物种灭绝，要求关爱动物的主题，除去奥斯卡之外获得了许多评论员大奖也是十分正常的事情。而电影本身故事的触动和突破日本政府包围的噱头更让这部影片受到了进一步的称赞，关键在于，《海豚湾》这部纪录片所传递的价值观并不仅仅停留在了电影之上，关于海豚救助活动的举办，以及日本政府方面因为电影上映而做出的改变反应，同样使得这部影片的影响力不断扩大，在这样的情况下，最终这部影片能够获得奥斯卡也是理所当然。

纵观《海豚湾》一片，其价值观的传递和设立无疑是十分成功的。题外话是，什么时候中国本土的电影能够脱离刻板的说教，通过精彩的剧情和设定，在电影中传递属于中国自己的价值观，并且用这样的价值观去影响更多的人呢？在全球文化大融合的今天，传递壮大自己的文化，树立自己民族的价值观是任何一个民族都需要努力的事情，而中国还需要更加努力，中国需要一部自己的《海豚湾》。

纪录片海豚湾影评（三）

在动手写之前，我又看了一遍纪录片《海豚湾》。对我来说，最震撼的，莫过于在影片结尾处，小小的海湾，被海豚的鲜血染得通红

这是一部活的奥斯卡奖的纪录片，在影片中，导演，摄影师和工作人员，如007般进入到太地町捕杀海豚的地区。为避开当地渔民的封锁和驱赶，他们将摄像机安装在遥控飞机上、岩石间和水下，最终拍到了屠杀海豚时的血腥场面。

每年的9月份，当海豚迁徙，经过太地町时，都有数万被人类想方设法驱赶到一处小海湾，其中的大部分被当地渔民秘密捕杀，而幸存的少数则被高价贩卖，前往世界各地的海洋馆。我们中的大多数人，都被海洋馆里海豚的微笑所欺骗，实际上，它们并不快乐。正如影片中的一句话海豚的微笑，是最大的欺骗。

渔民们在水下大声敲击金属棒，破坏海豚的声纳系统，精疲力尽的海豚被驱赶到太极湾内一个石头凹口中，入口处用网拦住。被困住一晚后，第二天黎明，当地渔民开始利用刀和长矛屠杀海豚。当地官员表示，巨头鲸会被捕获杀死，它们的肉被推入市场销售。但海豚中有一半会被卖给水族馆，其余的会被放生，以此试图平息国际社会的谴责。但摄影师偷偷拍摄到的图片显示，在屠杀区之外依然可以看到肚皮朝上、一动不动漂浮在海面上的小海豚尸体尽管当地渔民小心翼翼地竖起大量防水油布，但这些东西不能完全遮盖下面正在进行的野蛮屠杀。即使从悬崖顶上，也能听到海豚猎人的声音，也能感受到海豚们为了自由和生存发出的抗争。海豚猎人们从油布缺口处跃入水中，然后将手中的刀对着水面扎下去。几分钟后，四周刚才还是鲜绿色的海水，顿时变成一片深红，早晨清新的空气中混杂着血腥味。

每年这样大规模，长时间的血腥行为，缺鲜被日本人知道。在影片中，导演在日本街头随机对路人的采访中，人们对捕杀海豚的行为表现的是震惊，然后极力否认日本有这种行为。就如同否认南京大屠杀一样这里我不得不佩服日本政府和媒体，工作做得如此细致。

影片中，那一弯被鲜血染红的海湾，数以万计的海豚在血水中挣扎，无助的哀号声，向我们诉说着不幸。张牙舞爪的日本渔民不顾影片工作人员的劝阻，依然我行我素，把尖刺，刺向一只只海豚。当有工作人员问渔民：如果给你同等价值的金钱，你还会捕杀海豚吗？渔民说：这不是钱的问题因为，在渔民眼中，海豚是捕鱼，渔民也捕鱼，少了海豚，那他们就会得到跟多的鱼。

因为在各方面复杂的利益面前，日本民众一直奔政府和媒体所蒙蔽着，他们也是受害者，食用着汞含量超标的海豚肉。同时，我认为，作为中国人，看完这部影片后，如果得出的结论就是日本人真变态，并从唾骂中得到一种快感的话，那么这与本片的目的真的是背道而驰，向更多人宣传本片，让大家了解我们在水族馆看到的海豚正承受的压抑和它们同胞正承受的屠杀才更加合理；反思自身，将由本片对海豚悲惨命运激起的愤怒和伤心上升为更积极的环保意识，用行动影响更多人才更加合理。走出误区常常需要时间，需要了解更多信息，就如我长期以来一直以为水利工程是完全的环保能源，直到几年前从地理杂志上才了解了其对生态和社会的负面效果，也了解了更多解决之道。同样的，我的思想中也可能还有很多类似海豚是人类的朋友，所以让它们无忧无虑的在水族馆与人类接触多么美好的环保认识误区，这也需要我更主动的了解环保，参与环保，走出误区。

影片最后，里克奥巴瑞身前绑着液晶荧幕，四处游说的画面是导演最高潮最极端的表现方式。在涩谷街头，在窜流不息的人群里，最后越来越多的人围绕在他身边

这确实是一部震撼人心的纪录片。而其震撼人心的地方恰恰是因为这是一部真实的纪录片，没有虚构，没有夸张，没有表演。当看见染成血色的海豚湾你要知道，这并不是某个导演或者美术所特地设计的场景，那是比任何灾难片好惊悚片都要让人震惊的。被那些海豚的叫声刺激着耳膜，甚至刺激到了泪腺，这是相当奇怪的一种感觉，那些声音或许焦躁或许恐惧，但我确实什么都没想的情况下被触动了那根最敏感的泪腺。确实这也许没有一些惊悚片恶心，但只要想到这是真的，就会有一种奇怪的惧意油然而生。画面的穿插让日本代表团队看起来相当滑稽而且可笑。影片的最后有句独白：可不可以放海豚一条生路。那句话相当无力，甚至带有恳求的味道，保护这么些海洋的生灵，依靠不了政府，依靠不了那些组织。这也是为什么全球禁止捕鲸这么久还是一直拖着，那些所谓的商业性质的，学术性质的，一丘之貉。日本的政府和盈利企业狼狈为奸的控制着舆论，掩盖着事实，其中掩盖了海豚肉汞超标的事实。企业将这些有毒的海豚肉冠以健康鲸肉的名义贩卖，人们在不知情的情况下食用了这些有毒的海豚肉，甚至强制加入学生的午餐。这是一个政府所做的事，不是骇人听闻，是真的。

影片中最后揭示了日本人明知海豚肉有毒，整个捕杀资源不断下降仍要有意为之的原因，就是大日本帝国思想在作祟，这个分析真的很深刻很到位，看到那被鲜血染红的海湾，我想起了日本人的各种对人类的屠杀行为，这个民族绝对是个变态野蛮的民族，日本人是整个人类和动物界的巨大威胁。当日本的海洋副部长自己都汞中毒时，一种快意油然而生，作恶者自己受到了自然的报复。日本是海国，现在对海洋过度的滥捕，最后首先受到伤害的肯定是这些海岛国家。

看了这部片子，我不想对某个民族的陋习再做过多的评价，只是对佩服理查德奥巴瑞这样能为自己行为进行反省、救赎并不顾一切的行动而感动，哪怕是被拘捕、被迫害，都义无反顾的去做，想尽一切办法，找资深潜水的朋友潜入水下安装采音、摄像设备，找飞机技师，制作隐藏在石头里面的高清摄影机，搞遥控模型飞机飞上天空进行拍摄，甚至动用了军事领域的无热源热感应摄影设备，在24小时日本警察的严密监控下，通过各种方法摆脱跟踪，不顾政府或机构的强势反对，毅然故我地去寻找真相，采集第一手数据，硬闯IMC大会播放屠杀场面，在东京街头熙熙攘攘的人群中孤独地播放只为让更多的人知道真相。

当鲜血染红了整个海湾，听到海豚的哀鸣时，我觉得这不只是日本人的耻辱，是整个人类的耻辱。

大海作为人类赖以生存的资源之一，它的神秘令人向往，它的魅力使人着迷，海底世界以及海底生物更是人类一直持续研究的对象，但任何华丽的画面背后往往都隐藏着最丑陋的影像，《海豚湾》即是如此。

导演路易西霍尤斯拿着奥斯卡奖杯，心中所想的还是那些海豚，直到这些海豚不再被屠杀，我才算真正获得了奥斯卡奖。希望在这部纪录片把赤裸裸的杀戮昭示天下之后，可以引起太地镇的反思。

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安全纪录片观后感

安全纪录片观后感（一）

2013年6月15日，按公司计划开展安全警示片观看活动。事故的重复出现，悲剧的不断重演，这不得不使我们感到无比的震惊和心痛。今年安全生产月警示教育片主题《伤逝》，上篇为《余生之痛》、下篇为《离别之哀》。

与以往血淋淋的事故案例篇有所不同，此片主要通过介绍几起交通事故、建筑施工事故、火灾事故、沉船等事故之后，遇难者家属老少孤寡今后生活的状况，悲凉、孤苦，像是他们的心也随着逝者而去，留下的只是个称之为家的虚名和无尽的哀伤一个人对一个企业、集体的只是一小小部分，可是对一个家庭就是一片天，以此警示人们珍爱生命关注安全

安全是一种意识，更是一种习惯，是对自己、对家庭、对企业对社会负责的具体体现。安全管理说大不大，说小不小，倘若抱着侥幸，一旦出现事故，一失万无。安全生产不仅需要领导的教化与宣传，更需要我们大家每一个人的参与，只有人人参与，人人遵守，才能真正安全。在我们身边，每发生的一起人身事故都可能增加一个或几个不幸的家庭，所以我们不能忽视这样的重要前提：一名员工虽然只是企业或社会的一分子，但对于一个家庭来说，可能就是上有老、下有小的顶梁柱，一个员工的不幸就是家庭整体的不幸，所受到的伤害都会影响到全家的幸福和美满。高高兴兴上班，平平安安回家，不仅是企业的要求，更是家人的期盼，没有什么比人身的平安再幸福的了。

安全是通往成功彼岸的独木桥，只有在确保安全的前提下，我们才能抵达成功的彼岸去感受成功的喜悦；安全是培育幸福的沃土，只有在安全这片沃土的培育下，幸福之花才能随时在我们生命旅程中绽放。人最宝贵的是生命，而我们的生命只有在安全的守护下，才能得到保全，有了生命，我们才能去做我们喜欢去做的事，才能去实现我们人生的目标与理想。作为铁雄的每一名员工，我们的一举一动牵系到的是企业的蓬勃发展，家庭的幸福和睦，他人和自身的安危，隐患胜于明火，防范胜于救灾，责任重于泰山，这是我们每个员工应牢记的警世名言，也是我们每天上班时都要恪守的信条，也许每一个隐患，每一次违章都不一定导致事故，但是每一个事故的发生无一不是由于一个隐患和违章引起的。实际工作中，由于操作人员麻痹大意，贪图省事或未严格按照《安全生产规程》来操作，当事人看起来是无关紧要的小事，最终却成为事故的导火索。因此，我们在工作中，务必严格遵守和执行《安全生产规程》，从心从行善待每一个小事，以较强的洞察力去查找身边的不安全隐患，及时整改和防范，坚决杜绝习惯性的误操作，不再使事故重演。

在工作、生活中，一定要时刻注意安全，并要把不怕一万、就怕万一的安全思想意识融入到人性化、亲情化的安全宣传教育中，珍爱生命，关注安全。让我们的生活变得更加美好，更加和谐。

安全纪录片观后感（二）

今天，煤矿组织员工观看了安全生产警示教育片《伤逝》看完视频后，心里久久不能平静。屏幕上，一起起安全事故，夺去了多少鲜活的生命，给死难者家属心中留下无尽的伤痛。泣血的场面，深深地刺激着我们的视觉神经，让在场的每一个人揪心、叹惜。

安全是我们追求亘古不变的目标，是我们常抓不懈的工作。生命对于每个人来讲只有一次，生命中最珍贵的是家庭、亲情、爱情当这一切都瞬间消失时，留给生者的除了悲痛，还有些什么呢？看完那安全生产警示教育片《伤逝》的惨剧，脑中总是回荡着那一声声惨叫，心里久久不能平静。

千里之堤，溃之蚁穴。通过分析视频中的事故案例不难看出，大部分事故在发生前，已经向人们发出了警示，令人扼腕的是，人们往往对事故前的预兆熟视无睹、置若罔闻，直到发生了事故，造成了巨大损失，人们才流下悔恨交加的泪水，才意识到漠视安全规章制度，安全意识薄弱带来的无法挽回的严重后果。成千上万的事故，从表面上看是由多个小的疏忽叠加累积造成的，不过经过深入剖析我们可以得出这样的结论：这些形形色色的事故都有一个共性，那就是罪魁祸首都是安全意识薄弱！

开展各项工作应当将安全放在首位。保证安全是开展各种工作的前提，只有保证安全，才能有效的完成任务。通过观看警示片，我们可以清楚的了解，任何一个事故都将造成生命和财产的损失，对公司的声誉产生不可挽回的影响。财产失去了，可以通过努力再去获得，而生命失去了，是无法挽回的。随着，生命的流逝，一个一个家庭也将彻底破碎。产生事故的主要原因，是因为工作中没用牢固树立安全意识，不懂得安全操作常识，一味蛮干所造成的。确保安全不是一句空话，这要求我们在工作中努力学习安全知识，掌握安全技能，将安全摆在开展各种工作的首要位置

安全无小事，一丝一毫的疏忽都有可能酿成灾难。我们应当时刻警醒，始终在头脑中存有安全意识。居安思危，警钟长鸣，只有确保安全，各项工作才能获得成绩，个人才能成长进步。

五四运动纪录片观后感

五四运动纪录片观后感

文/彭明蕊雪

五四运动起源于1919年5月4日，它的背景是在第一次世界大战结束后的巴黎和会上，北京政府和广州军政府联合组成中国代表团，以战胜国身分参加和会，提出取消列强在华的各项特权，取消日本帝国主义与袁世凯订立的二十一条不平等条约，归还大战期间日本从德国手中夺去的山东各项权利等要求。巴黎和会在帝国主义列强操纵下，不但拒绝中国的要求，而且在对德和约上，明文规定把德国在山东的特权，全部转让给日本。中国随以战胜国身份参加这次大会，然而却被人当成战败国一样任人宰割。然而北京政府竟准备在和约上签字，从而激起了中国人民的强烈反对。

时隔多年五四运动在一次呈现在我们面前，然而时代的穿梭让这一事实时刻提醒着人们勿忘国耻，不断奋斗。

五四运动促进了中国人民新的觉醒，使先进青年们更加清楚地看到国家命运，岌岌可危，更加感到腐败黑暗的社会现状难于忍受，他们以救国救民、改造社会为己任，积极探索着拯救中国的道路。

说起纪念五四运动最为显著的就是我们戴着的团徽，以及团歌在共青团团歌《光荣啊中国共青团》中有这样几句歌词，我们是五月的花海，用青春拥抱时代。我们是初升的太阳，用生命点燃未来，五四的火炬，唤起了民族的觉醒。壮丽的事业，激励着我们继往开来。

五四运动是新文化运动掀起的思想解放的潮流。受到这个潮流影响的年轻一代知识界尤其是那些具有初步共产主义思想的知识分子为五四运动准备了最初的群众队伍和骨干力量。同时作为大学生的我们也要跟上时代的发展提高自身的专业素养和自我的创新精神。主要积极向上把学业学好以及多参加社会实践才能为以后解决就业问题提供保障的可能性。

94年前的青年人可以为了国家的崛起而去革命，今天，同样是身为年轻人的自己可以为了自己而去奋斗么？答案已经显的不那么不重要了，自己的行动已经在证实了。与其在等待答案，不如去体会过程。

念念影评

念念影评（一）

记忆像鱼穿行在脑海中，童年的创伤，带来磨灭不掉的记忆，不断闪回的过去见缝插针，疼痛、伤感、困惑与迷茫接踵而至，人生选择中，慢慢找回曾有的点滴美好，都是曾经深爱的印记。张艾嘉执导的《念念》说的就是这样一个故事：育美是一个画家（梁洛施饰）与拳击手周永翔（张孝全饰）是情侣关系，育美的哥哥育男是一个为生活奔波的台东导游（柯宇纶饰），他们各自生活在诺大的台湾。然而，儿时的阴暗的记忆一直带给他们心中挥之不去的印记。

创伤是一个现代性的话题，大都市台北给予创伤这一话题一个非常大的展现空间。不论是战争，还是屠杀等，这些都能造成极大的身体和心理创伤。影片一开始，望着天空、不断呢喃的育美，一直在找寻某种逝去的温暖。然而，天空并未下雨，也未出现颓靡的情绪渲染。人经常跟自己说话，不仅是一种心理的解压，而且是一种变相的宣泄。育男来到台北，试图寻找离家出走的母亲与妹妹，缺失的母爱在他的心中不断加深，以致于总会认为是母亲的偏心，才选择带着妹妹离开。儿时的周永翔一直被灌输成为一名真正的拳击手，却屡次失败，甚至因为视网膜的严重恶化而面临禁赛的问题《念念》在思考创伤和意识、创伤和身份、生存相关的问题，并展现了创伤人物心理的困扰。

两兄妹的心理困扰源自于父母的离异，内心的缺失让自己产生了严重的怀疑。育美喜欢低喃自语，用画作抒发内心的情绪表达，在地铁上，她似乎看到了一个不一样的自己，急速画下，却在意识外，察觉到与童年记忆相关的画面。育男整天奔跑在台北与台东之间，用很少的时间吃饭，却意外遭遇到穿越时间的酒吧，在那里，等待着他的却是久违的快乐，现实本身与梦境的相互堆叠，更像是人的镜像的自我表达，当现实环境已经缺失的人（母亲）与事（玩乐）没有得到满足，在梦中便会变得甜美而幸福。现实的电话铃声则是一碗醒酒汤，将育男拉回到现实之中。父母的离异，两个有着血缘关系的儿女走上了人生不同的轨迹，却因为创伤记忆，变得有点另类。有时给人一种想要了解自我生命的感觉育美下地铁后，差点掉落，周遭的人会对她产生怀疑，在回家的小路上疑似看见男人；育男没有轻生的念头，却与朋友的相处有着隔阂，没有真正摊开心扉创伤记忆有别于日常生活记忆，创伤人物通过行为重演等方式再现创伤情景。于是，我们可以理解到，育美与育男与人的格格不入正是创伤记忆的影响所致。

全篇过去与现实相互穿插，不断推进故事的发展。母亲（李心洁饰）成为最为核心的人物，是她导致了育美与育男记忆的创伤。父亲只想以卖面为生，在一个小地方安静的生活，而母亲一直远离绿岛去更大的环境生活，与父亲（陈志朋饰）在观念上产生差异。执念之间，所有的平静被打破，一场分别在所难免。很多人都会觉得父母的离异不会对孩子产生太大的影响，但是自孩子记事开始，所有的记忆就会在时间的流逝中慢慢堆积，以至于在长大后，碎片的记忆便会蜂拥而来。张艾嘉擅长用意念化的镜头推进人物内心世界的走向，不断出现的水中美人鱼的童话故事与水中不断游弋的女人成为最有代表性的意念的具象表现。相比较创伤带给人以噩梦、闪回等方式的重复逼真化的出现，这些拍摄于水中的画面则显得更加梦幻与美好。影片并没有给人以再次经历痛苦、失去甚至死亡的心理机制上的叙事的颓靡表现，反而带给观众一种超乎想象的内心表达。

创伤的延宕性、潜伏期、无时性和重复等特质，决定了创伤是一种孤独的情感体验。每个人在这个世界上都是孤独的个体，就算是亲兄妹，更别说是从小励志成了国家拳击手的阿翔（全名周永翔），影片后半段将镜头转向了这个更为孤独的个体。尽管他有自己爱的女朋友育美，却一直没法实现成为正式拳击手的梦想。雪上加霜的是，他的眼睛问题。对他来说，有限，只能用极少的时间实现自己的价值。而这些逝去的时间，却如流水一般幻灭。他需要的更多的是内心的一种弥合，他看见了自己去世的父亲，与父亲对话聊天，与父亲比拳，所有的一切却仅仅是他内心迫切需求的幻象，其实是一种自言自语的表现。因为他儿时记忆的缺失的父爱，让他不敢成为一名父亲。这是内心深处最私密的部分，却以一种缓慢的人物对白方式进行处理，更易于走近这个人物本身。正像张艾嘉《心动》中的初恋故事一样，更多的是一种情绪上的舒缓表达。当然，这三个人之间却有着千丝万缕的联系，一方面是亲人的关系，一方面都是记忆创伤的受害者。创伤是具有社会的属性的，当社会、集体遭遇历史性创伤童年有关缺失的经历，个人创伤的证词和见证成为联系伤痛集体的纽带。于是，导演让我们能看到这三个人所经历的一切，便将这种见证与证词更为形象化。

影片《念念》一直贯穿着母亲讲给育男与育美的一个小美人鱼的故事，最终，这个故事渐渐弥补了兄妹之间的距离，让他们再次遇见；阿翔与育美生了一个乖巧的女儿，组建成幸福的家庭，很大程度上让阿翔的内心得到平衡。不得不说，张艾嘉在这部电影中的所有处理温暖而深情。作为一部文艺片，《念念》值得你慢慢体会。最后想说，一部好的文艺片同样具有市场号召力，拍了四十多年的电影的张艾嘉，一直在坚守自己的理念，拍自己喜欢的电影，不被市场所影响。

念念影评（二）

首映现场见到张艾嘉，短发、皮衣、牛仔裤，回答问题语速极快且声音洪亮，常常在每句话的结尾处加上一句你知道，但由于语速过快常常吞掉了道字，直接变成你造。人一紧张就会脑子跟不上嘴，想必张姐也是紧张的。《念念》是一部不那么大众的电影，对于观众的第一反应她一定也是有些担忧的，但她说她很平静，她还说人年纪越大就越要学会平和，她学习打坐，让自己和自己的内心交谈。

就像这部电影一样，一个简单的故事和一个不那么难懂的道理，却需要历练很久才能参悟的透一切幸福的前提是先要跟自己和解、先学会爱自己，没人能帮你，只有你才是你自己的解药。所谓的念念其实就是先找个地方和自己痛痛快快的聊一聊。

正如张姐所说，《念念》是一部平和的电影，节奏缓慢，故事简单，音乐节制，不渲染情感上的碰撞纠结，也不铺设戏剧上的转承启合，只呈现人物的生存状态，沉闷的外表之下，情感却在不断的累积，当暗涌的情感到达临界点时却含而不发，转为娟娟细流在胸中涌动，剧中人物在自己和自己的交流中得到了慰藉和情感释放，观众也产生了一种自己想要和自己交流的冲动，把种种情绪内化为一种释然的情绪，这是这部电影最最成功之处。电影中那些色彩浓烈的空镜头和文艺气息十足的运镜和构图恰到好处的传递了一种平和、积极的情绪情感，一切都恰到好处，多一分则狗血、俗套，少一分则牵强、晦涩。

片中的三位主角既是戏中的角色，也像坐在戏外的我们自己，也许每个人都会有情感上的纠结，尤其是那种来自于父母的，如果一个孩子从小就对父母对自己的爱心存怀疑，那么他长大以后一定会在性格上存在缺陷，无法断言是不是每个人都有，但大部分的人也许或多或少都会有，就像是阿翔想要获得父亲的认可、育男纠结母亲和妹妹为何不辞而别、育美对母亲的去世耿耿于怀，于是他们童年的阴影让他们无法活的舒展，只能负重前行，对于母爱、或者父爱的纠结成了一笔永远也还不清的高利贷。大人们撒手人寰，孩子们却始终活在他们留下的雾霾之中，就像是歌里唱的，谁也没有时光机器，就算是真的回去了又能改变些什么呢？

《念念》里，张艾嘉运用了一种奇幻的处理方式，让父子和母子在时光中重聚，长大了的孩子见到了年轻的母亲、父亲，他们像陌生人一样聊着无关痛痒的话题，看的人却十分感动，也许那些所谓的阴影和纠结只不过是没有机会再去和他们聊一聊天，所谓的父爱和母爱也不过是能和他们发发牢骚，再叫一声爸、妈对于有些人来说是一件多么奢侈的事情，你懂了、也就感动到了。

当然，奇幻的情节只能出现在电影里，即使是电影，导演也用镜头告诉你，一切不过只是想象而已，正如阿翔在海边对着空气挥舞着拳头。筋疲力尽之后，他突然想通了，他得不到的父爱，但他却可以给予父爱，与其纠结得不到的，不如把自己的全力给予自己的爱，于是他成为了一个好父亲。在那个狂风大作的夜里，育男见到了自己的母亲，他突然发现母亲原来并没有不爱自己，她的离去也不是自己的错，于是他也释然了。

所有你纠结的、无法释怀的，终有一天都会变成平静和释然，这就是所谓的成长。

张艾嘉导演用一种简单、干净、透明的处理方法拍出了《念念》这个故事，本应该是狗血的剧情却拍的简单、动人、发人深省。这种平静的讲述方式，来自于生活的历练和对于人生更加深刻的感悟，所有的一切最终都要归于平静，而这种平静终究是自己给予自己的。没什么是放不下的，没什么是过不去的，与其纠结那些得不到的爱，不如努力把自己爱好好给与那些值得去爱的人，不留遗憾。

《念念》很文艺、很清新，没有丝毫的商业气息，是一部只有沉得下心，才能看得进去的电影。尤其是在如此浮躁的大环境中，能够安安静静的看这样一部电影真是难能可贵。在好莱坞和国产烂片横行的氛围中，《念念》这样的电影显得特别珍贵。

只有静下心来，你才能看见自己，所有的不愉快，念一念也就过去了。

念念影评（三）

文/表江

看多了质量一般的国产青春片和爱情喜剧，偶尔来个台湾文艺片，感觉也满清新的。《念念》比张艾嘉（微博）以往的作品都更文艺，之前的《心动》、《203040》、《不一样的爸爸》相比之下甚至都显得有点商业了，不过好几年没当导演的张艾嘉，看重的也许就是《念念》的纯粹。但文艺可以是贬义的也可以是褒义的，在《念念》这里，算是中性的，它并不文艺得十分自我，但也没有文艺出新高度。

《念念》打动我的地方有两处，一处是柯宇伦扮演的育男在意识中穿越回去遇到母亲，让母亲再给她做一次蛋炒饭，母亲离开后和父亲一起生活直到父亲去世的育男性格变得沉默安静，再次看到母亲时情绪才略有激动。另一处是育男再遇妹妹育美（梁洛施饰），两人经历少年时期的痛苦终于成熟，情绪平静。家庭的破碎给孩子带来的痛苦是长期的，育男和育美都执着于母亲更疼爱谁这个问题，母亲出走后当第三者的行为也给育美留下了很大的困惑，育男在父亲的重压之下性格内向压抑，多年独自生活，育美在和阿翔的恋爱过程中也出现很多无法控制的情绪问题。阿翔也一味背负着父亲的期望而在为并不适合自己的拳击奋斗。

基本上《念念》的三个主人公成长时期的问题主要都来自于父母，中间张艾嘉采用了几处超现实的手法让他们和父母对话，并且在对话后基本上解决了内心的心结。育男是穿越回去，阿翔是想象和父亲钓鱼，育美是女性则是通过生育孩子来使内心变得强大。超现实的手法并不高级，也不值得鼓励，张艾嘉对这种手法的甚至有点生硬，尤其发生在育男身上的一些穿越戏，非常莫名其妙，即便有些有戏剧张力的段落，也完全赖于柯宇伦表演的不错。张艾嘉想表达的是年轻一辈和上一辈需要好好对话沟通的主题，但其实难沟通的是上一辈，基本上是他们的强压、自私，给了下一辈并不正确的人生方向。不过《念念》的励志在于三位主人公的问题在成长过程中都解决了，成长的痛苦就是当时作天作地，回过头云淡风轻。

张艾嘉最好的导演作品，我个人认为还是《心动》，可能因为《心动》跟个人经历有关，感受更为切身，而《念念》有点说教了，当然也有可能是因为《心动》颜值更高，那算是金城武最好看的时期。

冰棍影评

冰棍影评

冰棍是什么滋味呢？像水果还是饼干？

比它们好吃100倍！

英才这样回答道，于是背着小白狗的石圭开始幻想，那遥远的月球上冰棍的诱惑。暑假来了，英才开始了漫漫假期，这个假期很特别，因为一切与冰棍有关。

这是一个细腻而感人的故事。影片细腻流畅地展现出一幕幕生活场景，无论是细节的设计，还是背景的安排都有很缜密的考虑，让观众深陷影片所营造的故事氛围中。应该说这是一个家庭喜剧片，可整个故事的却营造出了一种淡淡的忧伤的气氛，让人在笑声中又含着泪水。生活总少不了插科打诨诙谐的镜头，但挥之不去却是心头淡淡的哀伤，就像背景中远远飘去的那一抹云彩。

应该说此剧非常鲜明地体现着韩国电影的特色，细腻，画面唯美，温暖。但却少了很多矫揉造作，像是一个洗去精致妆颜的女孩，质朴地呈现在你我面前，眼神真挚，贴近人心。就像你我的故事一样。

很值得一提的是剧中小演员的表演，自然真切，让人喜爱，难以忘记。

诸如此类寻找父母题材的儿童片其实很多，巴西的《中央车站》、日本的《菊次郎的夏天》就是很好的例子。其实人生的每一个阶段都在寻找，只是童年是梦最初开始的地方。把寻找和儿童联系在一起很有一种象征意味，其实儿童就是成人，而成人也是儿童，本质上都一样。儿童片的观众不仅是儿童，更重要的是我们这些曾经是儿童的人。好的儿童片早已超过了儿童片的限制，往更远更深的地方延伸，面孔却依然单纯，像一个对着太阳露出白牙傻笑的孩子。

梦想是该片的主题。一个孩子为了寻找自己的爸爸，依靠自己小小的力量走在追寻梦想的道路上。即使承载梦想的是微不足道的冰棍，可却依然拥有甜蜜的味道。为自己的梦想单纯地努力着，即使拥有无法预料的未来。不去想不去想，只要有梦就好。每一个人都有自己的梦想，或小或大，或近或远，承载梦想的或许是一幢房子，一辆车，一个人，一本书，一棵植物，或者，仅仅是一根冰棍，这都是一件引以自豪的事情，它让我们幸福。

英才、松秀、仁博，还有背着白狗的石圭，傻乎乎的喜顺这些可爱的人将一个共同的故事留给了那个暑假，让小镇上炽热的阳光温和起来，有一种温暖的味道，这个故事与冰棍有关，与梦想有关

英才捧着冰棍，开心地笑着，冰棍的沁凉的甜汁在心底浓浓地流开

窗户影评

窗户影评（一）

这是卡洛斯的另一部简约化的电影，没有任何圈套圈剧情的限制，以最平凡的摄影和表演叙述一个带病老作家最后时光的生活故事。无论是台词还是影片长度，都很简化，拒绝了任何夸张式情感戏份和特效渲染，就事叙事。结尾处变缓的调子，隐约而优美地给老作家划上生命的句号。圣胡安郊外的孤宅，一位期盼康复的老者，一次诗意化的田中漫步，带着如梦般凄美的回忆，完整地合上了简洁的篇章。

或许简约式的电影最能贴近生活，没有复杂的台词和俚语，没有绕口令和笑点，没有哗众取宠和意识主流，更无巧妙生花的剧情和炫丽无比的特效，带出来的感触往往深刻而长久。商业大片是制造大众梦想的原子弹，一旦投放，效应轰动，各种的人生激情和梦想壮志相互融汇，摩擦，彼此碰撞，相得益彰。简约电影的魅力是以生活为起点，论及大小人生事，再配以散文式的叙事装点，恰当地赋予了唯美的光面，呈现于观众眼前的，无非就是荧幕上发生的生活片段，平淡而深刻。

《迷失东京》带给人暖暖的冬日迷茫，话语成了一种次要的表达，影像里的情感忽然变得含蓄而朴实，魅力焕发到新的高度。《奥霍顿的新生活》更以轻幽默的手法来装点退休工程师的生活，人生的无常变幻很快转化为一种超然的领悟，枯燥一扫而光。《与海共生》用生活的行动架构起浓浓的祖孙三代情谊，海上日出的光辉燃点起亲情的火把，小小漂流瓶的结尾延伸了爱的寄托。简约叙事的电影有很多很多，其魅力可见一斑。

《窗户》中的窗是写实也是一种隐喻，残年卧病的老作家多次望向窗外，生命的依恋感透过这个窗户流露出来，既是菜园和田野，也是儿子和钢琴，更是对生活自由与自尊的捍卫。梦一般的开头，是掀开了尘封的回忆，而这个漫长而短暂的回忆之窗，最后为老人写上了剧终。离世的伤感化作了晚风，暖和而温柔的晚风，吹向很远很远的地方。老作家在金色的田野上的漫步，肆意挥霍自己剩下的气力，草原上热洒一泡尿，向死亡敬一杯好酒，在风光无限里慢慢褪去一辈子的年华外衣此时此刻，至少唤醒了我们正忙碌而奔波的一生是否需要停顿一下，做自己最喜欢做的，我们不需要到晚年空闲之时，疾病缠身再考虑这种愿望。

《窗户》让我想起了《秋天的春天》，也是讲述了一位老顽童在暮年的精彩故事。不羁的性情奔放如狮子，带出的感动又是另外一番滋味。

窗户影评（二）

阿根廷导演Carlos Sorin的从影经历有点像杨德昌，42岁了才拍摄出自己第一部电影作品，1986年的《国王和电影》，此片一鸣惊人，获得了威尼斯处女作银狮大奖，并被评为阿根廷80年代十大佳片之一。

在第52界旧金山国际电影节上遇到Carlos Sorin还挺意外的。这小老头拎着个公文包，土黄咔叽布夹克上都是雨痕，里面的衬衫领子胡乱翻出来，脸上笑出一朵花。电影《窗》开场前被请到台前讲话，开口先抱怨旧金山的大陡坡他竟然从市中心一路翻山冒雨步行过来紧接着抛出些拍摄过程中的轶事笑话，整个影院哈作一团。

比起他的热络，电影《窗》收敛得让人意外极了。如果电影艺术中也有简约主义，那这部《窗》就是电影简约主义的胜利，仅32页的剧本，几乎为零的情节，少到不能再少的对话，但我的眼睛就是挪不开：宛若风景油画一般的摄影，人物细微而稍纵即逝的表情，巴塔哥尼亚高原荒芜的风，还有干净的像冰一样的蓝天。毫无疑问我是一个来自疏远国度的旁观者，但这些陌生的人物所表达出来的却都是令人熟悉而温暖的情绪，我似乎一直都认识他们，宛若旧邻。

故事从一位老作家安东尼奥儿时的梦讲起，八十年前遇到的年轻保姆的脸突然出现在八十年后的梦境深处，安东尼奥说记忆真是件奇怪的事，而这一天，他多年未见的钢琴师儿子终于要回来探望刚因心脏病发而卧床输液的父亲。照顾安东尼奥的两位家庭护士，玛丽亚卡门与艾米莎，从清早起便开始忙碌，要给安东尼奥做早点，打针吃药，理发，找琴师来调几十年都没人弹的德国钢琴，侍弄菜园，还得对付老头子的健忘病；而完全不听话的安东尼奥硬要人取出珍藏四十多年的香槟以备迎接儿子。

这些琐碎而平淡的家庭生活中唯一的调剂是安东尼奥的逃跑老头子拎着自己的输液袋子，要调音师帮忙系好鞋带，披上外套带着帽子一个人偷偷跑出门去看昨夜风暴过后一片凌乱的蔬菜园子，然后又在大片金黄的茅草地上巡视。除了这个小小的高潮，故事从头到尾都是静止的，就如同影片的名字窗一样，仅仅提供了一方观察视角，一帧人物剪影，一个生活片段。来龙去脉是否必要？一个故事，一部电影，是否该向读者观众传达一条清晰明了的信息？

电影结束后我问Carlos Sorin这两个问题，他没有正面回答，只说：要传信儿的话，该去邮局而不是电影院吧。

实质上，Carlos Sorin对好莱坞套路式的夸张剧情是相当反感的。他在电影结束后的问答时段半开玩笑的说自己这种以刻画人物见长叙事为辅的表现手法也是迫不得已所有讲故事的故事早被好莱坞拍完了，而他去年想购买某书的电影版权，也因为资金不足被好莱坞的大公司抢了先。Carlos Sorin的夹缝生存既是无奈，却也塑造出他令人耳目一新的艺术风格。他的人物往往具有极强的带入感，在很短的时间里就能通过生动的语言表情或小动作让观众了解他们，窥视到他们的内心。这些人物都不入模式，性格圆润丰满，既有可爱之处，也有可怜的暗角。Carlos Sorin的极简主义正是要把阐释权交给观众自己，他希望每个人都能通过他所描绘的小小侧面折射出对生命独特的领悟，他不传达信息，也绝不回答自己的电影究竟在表达什么的问题。

这样抓细节讲细微的表现手法很有日本电影工笔临摹的意味，但又没有很多日本电影为了唯美而唯美刻意做作的毛病。《窗》中最具象征意义的片段不过是安东尼奥在金黄茅草覆盖的荒野里有点惘若迷幻的凝视篱笆那边一匹面悬白色条纹的高原红马，但这一切都发生得自然而真实，没有画外音、心理独白，甚至连烘托情绪的音乐都没有，只有隐约的风声，似呜咽，又似轻吟。对比奥斯卡最佳外语片得主《入殓师》中主人公在郊野拉琴的唯美一幕，Carlos Sorin的处理坦然坦荡，诚恳诚实。

我尤其欣赏Carlos Sorin对信息传达的见解，这几乎也是我对小说艺术的理解。不传达信息并非故事中不包含可领会言传的信息，而是作者想通过故事表达的信息具有复杂的层次与侧面，任何阐释推理总结的做法都会不可避免的造成信息丢失。在这种情况下，诚实的还原事件的本来面貌，注重人物性格刻画，截取生活的一个平面忠实的记录才是更为明智的表现手法，这好比我们东方传统文化中的大象无形，无声胜有声，无与有在极致的层面对称转移，你中有我，我中有你。

这样以少胜多的简约主义理念在操作上会要求任何展露在屏幕上的细节都完美无缺，而这除了要依靠精湛的布景摄影外，还要求表演的每个细节都精益求精。有意思的是饰演安东尼奥的Antonio Larreta是乌拉圭的著名作家、评论家及戏剧导演，以86岁高龄第一次触电，其表演的精度与张力却实在让人惊叹这真是才华无年限啊！

Carlos Sorin的《窗》影如其名，为我们提供了一扇窥视他内心创作理念的窗口；而他的电影人物与人生片段就如大多数评论所赞誉的那样，是一颗颗荒野中的宝石，在不为人知的角落里静默的折射出柔美的微光，不张扬，不焦躁，朴素沉静，只待有缘人。

感谢您阅读“好读后”的《纪录片海豚湾影评》一文，希望能解决您找不到好书的读书心得时遇到的问题和疑惑，同时，hdh765.com编辑还为您精选准备了苦难辉煌纪录片读后感专题，希望您能喜欢！