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认同读后感500字

《认同感用故事包装事实的艺术》读后感。

读书使人充实,思考使人深邃,交谈使人清醒。我们在生活中可以多多去读一些经典书籍作品,每一个人在读过一本书之后都会有所感受,很多思维的火花在阅读中不断地在脑海里闪现,不断地跳跃出来,这就是读后感的素材。您抓住了作品的哪些精髓呢?小编陆续为大家整理了《认同感用故事包装事实的艺术》读后感,仅供参考,欢迎大家阅读本文。

亚里士多德说:我们无法通过智力去影响别人,情感却能做到这一点。小时候,我们都爱听故事。曾有这么一个故事,即使我们听到感觉无聊之极,从前有座山,山上有座庙,庙里有个老和尚,老和尚在讲故事,从前有座山其实,有科学数据统计,爱听故事是人类的天性,基于感官的求知,植根于脑海,深埋于心智,即使随着年龄的增长,我们也不会改变爱听故事的习性。

在现实生活中,我们会发现即使很努力去做一件事,可还是不成功,要不就是离目标值相差太多,于是我们在论及成功与否的原因时,很多人会归结于命运、风势、人和、技艺等,事实上我们常常忽略了一点就是我们之所以失败是我们还不会讲故事而已。

讲故事将会成为21世纪最应具备的基本技能之一。著名作家丹尼皮克在《认同感用故事包装事实的艺术》一书中指出道。确实如此,会讲故事,代表个人口才能力强以及组织语言的逻辑思维好。会讲故事,代表着我们能地向这个世界较准确地表作文达我们的想法和创意。会讲故事,往往是个人成长过程中的重要品质之一。未来社会精英人才的必备技能之一就是口才了。故事最重要的目的不是告诉,而是引导我们去思考,所以才是影响与说服的最佳工具。包括我们在营销产品的时候,说服客户和投资商,引导他们走进产品的创意过程以及营销策略。

品牌的打造也和讲故事有关。原因在于品牌的塑造是要挖掘出一个有生命的原型,并通过故事进行包装,从而达到自身影响力和客户的认同感。大多票房极高的电影,美国电影行业塑造的超级英雄系列为什么会受到那么多人的喜爱呢?就是因为他们会讲故事,塑造有生命力、有内容情节的电影品牌。

书中还有一个观点,最好的故事从不教人新东西。相反,最好的故事认同读者的想法,使每个读者感觉到他们的想法是聪明的,可信的,还会提醒读者他们是最正确的。会讲故事的人受到欢迎,在于讲的故事引起读者共鸣,在心理学上叫做共情现象,勾起读者相似的记忆和情愫。

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艺术的故事读后感


【篇一:读《艺术的故事》有感】

老师给我们推荐了很多艺术类的书,其中有一本叫《艺术的故事》,这本书很强大,被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家,也是最具独创性的思想家之一。

读这本书的时候,我怀着毕恭毕敬的心情,本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人,以前看书只要超过400页我都没有看完,我一直以来都没有读书的习惯,看着那些密密麻麻的字,总是耐不下心来,把一本书给读完,更别说从中找到乐趣了。但是,这本书好像有巨大的魔力,每天早上都催促着我起床,把我呼唤到图书馆,那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我,读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受,每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界,总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了,一开始的时候,觉得不就是画了12个人而已嘛,但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写,虽然篇幅不是很长,但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生,她真像是正在看着我们,而且她有着自己的想法。就在这里,作者水到渠成的开始介绍渐隐法并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图,可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是,凡是有可以做比较的参照物,作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页,具体是什么地方可以对比或者反衬,我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法,更是一种学习的态度。

在前言我被震撼了,看到了很多实话。作者骇人听闻地说:现实中根本没有艺术这种东西,只有艺术家而已。他还说艺术的故事是各种传统不断迂回,不断改变的故事每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西,而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实,也不是用一些抽象难懂的主义来概括美术史,而是描述了一系列的问题情境,他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

读完这么一本厚厚的书,觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术,而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以,这本书值得我们去读。

【篇二:艺术的故事读后感】

这本书讲了一个传统不断变化、不断延续,一个艺术创新的问题,就这点而言最适合学艺术的学生来读的。该书被誉为艺术史中的圣经。据说它被译成30种文字。就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家,也是最具独创性的思想家之一。生于奥地利的维也纳,后移居英国并入英国籍。任美术界最高荣誉剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授,以及哈佛等多所大学的客座教授,屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说:这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。贡布里希的学问,尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉,但他却表达得不露声色,而且几乎在每个论题上都讲出了新意。他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手,半个世纪后被证明绝非溢美之词。《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作,作者开宗明义:本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言,让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之,这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事,每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,因为在这个故事中,哪一方面也不如这样的景观奇妙:即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说,艺术为何会有一部历史?作者以其特有的方式给出了回答。因此,如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话,那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式,而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时,作者建立了一个社会情境的模式,这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是,作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻,真是一个了不起的贡献。

本书不因用语浅近而降低理论的深度,正所谓意深而文明,使其写作本身就成了一种艺术。《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念,作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知,而印象主义者却想画他们的所见。通读全书,我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。尤其值得注意的是,作者在结尾写道:在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式,单纯地画他的所见。换言之,作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。至此,我们可以进一步地说,《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术,而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以,这本书值得我们去读。

【篇三:艺术的故事读后感作文】

读了这本书《艺术的故事》后,感觉它为我打开了一个崭新的世界,这也是我们学艺术讨论最多的一个问题创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新,艺术的风格怎样变化,一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢,不是,它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续,一个艺术创新的问题,就这点而言最适合学艺术来读的。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作,作者开宗明义:本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言,让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之,这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是:这是什么样的轮廓啊!显然,艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林,他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念,即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远,成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中,我们却看到了作者更简洁的手法,他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是,这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点,我们在阅读时将不难发现。

本书作者的另一个重要思想,即作者在前言中所交代的一个观点:一方面,在艺术问题的解决上,某个问题的解决方案无论怎样激动人心,都毫无例外的在别处激起了新问题;另一方面,艺术发展在一个方面有什么所得或进步,都必然会在另一个方面有所失,主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因,《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事,每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,因为在这个故事中,哪一方面也不如这样的景观奇妙:即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说,艺术为何会有一部历史?作者以其特有的方式给出了回答。因此,如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话,那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式,而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时,作者建立了一个社会情境的模式,这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是,作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻,真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度,正所谓意深而文明,使其写作本身就成了一种艺术。

西文艺术史的研究,从作为一门学科算起,已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前,主要集中在德语国家,所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初,艺术史研究中出现了一种趋势,即要为艺术史找到一种科学基础,于是学者纷纷把目光转向了心理学,并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何,例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称,就会妨碍人们对侧面像的描绘,要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界,就是这场与知识的破坏力量的斗争,以及要恢复纯眼的决心,使艺术从埃及的完全概念性的艺术走向了印象主义的完全知觉性的艺术。

【篇四:《艺术的故事》读后感】

接触《艺术的故事》这本书是挺意外的,因为研究生考试开始选的学校参考书目就有这本书。看之前总觉得像在应付考试,细读下来却对这本书有了些许敬意。

《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的,书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多,绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作,六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂,简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。因此,我更愿意来总结一下诸如透视的发现和在绘画中的应用这样一个小的脉络。

透视这个词在我们看来并不陌生。甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。可能在今天的人看来,利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯,可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊!

《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。我大概有这样一个脉络,透视的发现和发展经过了4个阶段。

一,短缩法的发现和运用

透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。画的是辞行出征的战士,右脚仍然是继承了古埃及的保险画法,但是左脚已经是经过透视短缩了。我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋,但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。当时的艺术家是把远处的东西画的很小,近处的东西画的很大。可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。

二、短缩法再次被重视

乔托所画的《信德的拟人形象》中,我们看到了手臂的短缩法,脸部和颈部的明暗造型,流动的衣褶中深深的阴影。像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。

三、透视法的提出和应用

到了15世纪初期,布鲁内莱斯基发现了透视法。我们已经看到,尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感,但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中,墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。

到了15世纪后期,安杰利科修士的一幅《圣母领报》中,我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台,使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。

四、透视法的继承和发展

曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。他的人物像马萨乔的人物那样动人,那样有雕塑感。曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台,使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。他好像一个高明的舞台监督那样,布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。

当然,对透视的探索仍在继续,只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。《艺术的故事》这本书中涉及较少。希望以后能看更多的书籍,进一步总结透视发展的脉络。

【篇五:《艺术的故事》读后感】

写在前面:写完整篇文章后猛然意识到这既是读后感又是我的一些天马行空不着边际的想法的总结。至纯至善这个词或许远远不及,然而率真烂漫我想努力地踮起脚来还能微微够得到。

艺术是个遥远而崇高的词。每当我在一瞥中恍惚所见艺术两字,便畏惧般地匆匆避开,深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。在中国,艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道,而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想,在我的中国我们的中国里,会涌现出一批又一批的伟大艺术家,创造出一代又一代的巅峰之作。

只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头,无论是童年时期的习画或是书法,总抱着一种敬而远之的态度,因此此类不成爱好便也只能草草了事。而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品,便又为以前的年幼无知后悔不已。身处中国,目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。面对市场上充斥的良莠不齐的作品,如何炼出一双火眼金睛至关重要。

但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿,因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。书房里曾有摞成一刀的书画册,其中的仕女图我到如今也没看出有什么稀罕劲儿。然而读《艺术的故事》时我看见贡布里希说过:事实上,左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法。这样的一句话打消了我对古代美女们丰满肥美的脸庞以及狭长细小的眯眯眼因不解而产生的反感。

当第一遍拿起书粗粗翻过《艺术的故事》,意料之中地看到第七章《向东瞻望:伊斯兰教国家,中国,2至13世纪》。中国作为四大文明古国之一,艺术史的发展理所应当地作为超前所在。但是在中国,艺术愈来愈作为高端高雅的象征,旨在人们并不是能够轻易地够到艺术的被拔的很高的高度。前段时间我的舅舅为我带来一幅喷漆画。他在意大利街头闲逛时看到一位街头艺人在现场作画销售。他花了十欧元买下一幅瀑布画并带回中国。显然在国外,艺术是件自由自在的事儿。艺人们可以无所畏惧生活来源,以自己的灵感及对艺术的热爱而轻松地活着。国内鲜少能够看到有谁能够坐在街头带有艺术家的漫不经心随意潇洒的气质售卖自己的作品。我看到的更多是流于形式的出现:那些梳着马尾的男人们。为此我感到深深的悲哀,不是与艺术有关的男人都要留起长发以此骄傲地向世人告知我是艺术家。所以我想,中国的艺术要脚踏实地实实际际,以此来真正的在品质上提升自己的高度。

贡布里希是个伟大的艺术史家,没有其《艺术的故事》一书或许类似我的很多在艺术长廊口茕茕徘徊再徘徊的人一生便错过了此领域的入门卡。曾看过一位将这本书做成pDF版本的网友说:这是一本深入浅出的适合初学者的入门书。入门书的划分是历史性的。然而作为一本入门书,《艺术的故事》价格偏高在我翻到精美的各类画作的第一眼时便在心中做出了适当的心理准备。本就不甚饱满的钱包在购买了数本书后瘪成一团,即使丢在大马路上被人捡起也会被嫌弃地丢下。然而兴奋战胜了荷包失去分量的痛楚,我面色恭敬地将其供上了神翕。

当我一个如此的门外汉在翻阅这部书的过程中,那过明或暗或书画或雕刻以及贡布里希言语精辟深入人心的评价无时无刻不让人有一种三步一跪三步一拜的匍匐朝圣之感。然而惊奇的是,我在合上尾页的时刻豁然有了一种君临天下之感。这种感觉我想同格雷诺耶制造出天堂气味的香水,同三毛高坐在撒哈拉沙漠租来小屋的沙发上漠视一切是同样的。我想到我要用艺术者的眼光看待这个我所生活了十六年的世界,我的双眼不能再在尘世灰蒙蒙的污垢缝隙间用世俗的眼光看待一切。在入世中做着出世的梦。我希望的目光能够越过千年的尘嚣穿透以光年为单位的距离,远远地眺望这整个,我所生活的平凡而伟大的世界。

前段时间在旅游时翻过一本《从风景到人文风景2011》的现代画册,其中一幅《神灵守护鲸鱼》让我感动得几乎落泪。苍茫浩瀚的深蓝色大背景下,只有画页最下方偏右处有一头与深蓝色相衬成辉的洁白鲸鱼。而在剩余深蓝色的海洋中,作者画满了浅蓝带白的鲸鱼神灵,所有神灵或东或西,皆在为下方这头可爱的鲸鱼护航。我并没有深层次地妄想着去了解作者此画的意图,我只是单纯地一见钟情。贡布里希没有为我指出我这样无端地被感动是否因为我对艺术还是充满了虔诚的热爱。

就在昨天下午我抱着吉他听老师给我放钢琴版的《天空之城》。我热泪盈眶地扭过头去,声音哽咽地让老师暂停,继而若无其事地回过头来继续自己的练习。不得不说音乐美在这本书中并没有涉及,我想可能是音乐更多的需要的是耳朵的原因。有时艺术给我帕台农神庙的震惊感,其中根根巨柱顶天立地,音乐也是其中之一。好比听柴小协会让我不能自已,音乐就在那时倏的一声在空中绽开一束烟火。

我想我爱艺术。这是人类毕生无法拒绝的一件事儿,你会自然而然地对其倾心倾心再倾心。我爱中国,在我的中国梦中我期盼中国艺术能够茁壮发展。当隔着万水千山远远眺望的高度被脚踏实地的一步又一步向上所取代时,不由地心怀感激。我感激《艺术的故事》,我感激贡布里希,我感激所有对艺术做出贡献的人。我感激啊,没有艺术便没有如今的曼妙世界。

然而

实际上没有艺术这种东西,只有艺术家而已。

艺术故事的读后感合集


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艺术故事的读后感(篇1)

“没有艺术这回事,只有艺术家而已。”这是贡布里希书中的第一句话。他说,艺术在不同时代所指的事物会大不相同。诚然,艺术与审美分不开,而审美在现代是一件自由而私人化的事情;然而,追根溯源,想要从远古时期获得艺术定义——山洞中发现远古时期的彩绘,被现代人赞不绝口。可这些所谓的“艺术”放在几万年前,只是为了驯服猎物的而进行的涂画,其功能性职责远大于艺术属性。

“艺术是什么?”似乎是一道无解的题,无法用语言组织答案,但其实,答案早已写在艺术家的作品。《艺术的故事》是贡布里希版的艺术史,他用艺术家与作品的故事串联起艺术的数千年。书中,贡布里希尝试为读者建造连贯的艺术史理解。他乐此不疲地用故事引导读者读下去,并一次又一次带领读者跳跃式回忆之前提到的作品,配合着后半册的印刷作品,那些细细碎碎的“知识点”忽然在脑子里连成一线。

“艺术的故事中哪一个方面都不如这个方面奇妙可观——一条有生命的传统锁链还继续把我们当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。”贡布里希写到。历史没有所谓的“新篇章”,时代也不像图书章节一样,翻页即结束。任何作品都不是横空出世,每一位作家都会或多或少受前期某个艺术风格的影响,而每一个作品和故事也都回顾着过去又导向未来。西方古典艺术作品,对艺术史稍有了解的人都可以说出一二,但也经常会停留在作品罗列的层面。贡布里希就是在帮助读者往艺术的世界再进一步——建立艺术史思维网络。

贡布里希不仅在宏观层面上为读者建立史论基础,也在细致的描绘中尝试打破固有的“标签化”理解。为了朗朗上口,每一个时期都被总结出大致的标签,这也是“教科书史观”给人种下的刻板印象。例如,说起中世纪和它的艺术,“黑暗、控制、教化”等灰色调的词语会浮现在脑海里,这是一种碎片化和片面的理解。的确,优美、标准和生动不是中世纪作品的追求,意义才是。这个时期的绘画和雕塑形象不强调真实的描绘,而更注重背后的宗教意义。

然而,就是这种透过形象来研究象征和符号意义的过程打开了“图像学”的大门。如果说,埃及艺术表达的是知道的存在,希腊人细致的描绘眼睛看见的事物,而中世纪的艺术家开始在作品中表现感觉。比如,在欧洲的中世纪教堂中,不难看到彩色的玻璃窗——浓郁的红色和鲜明的蓝成为人物的底色——他们任意运用色彩,跳脱出感官的世界,更加注重感觉的表达。如此自由而任性的表现,恰恰是“被控制”的中世纪艺术家做到了。

贡布里希认为艺术家应该有“跳脱感观世界”的能力。“一旦艺术家最终彻底放弃把事物表现出我们眼见的样子,他们的面前将会展现多么伟大的前景。”然而,当下社会的儿童艺术教育很容易引领孩子放弃“伟大的前景”,他们被教育把天真的想象力框在“标准答案”里,所有的声音都在告诉孩子:“天必湛蓝,草必青青。”

文章开头提到,贡布里希认为没有艺术这回事,但他的后半句转折道,艺术家是真真切切的存在。“那些男男女女,具有惊人的天赋,平衡形状和色彩以达到合适。不仅如此,他们不肯半途中止,却时时刻刻准备放弃唾手可得的效果,放弃表面的成功,去踏踏实实的经历辛苦和痛苦。”他相信,在每个时代都会有艺术家诞生。当然,我们生活的时代一定也存在伟大的艺术家。只是身在其中,很难跳脱出看待“今日艺术”,也难以判定这是否是一个有利于艺术发展的时代。

这是计算机的时代,机器逐渐“人化”,甚至参与创作,这让艺术家不寒而栗;这也是资本的时代,时尚行业裹挟着艺术,他伤害着我们追求的审美自由。当世界在呼喊着“快速;消费;时尚”的时候,又该如何劝艺术家“去踏踏实实的经历辛苦和痛苦”?

本书的最后一章名为《没有结尾的故事》,贡布里希完成于《艺术的故事》随后的两次再版时(1966和1989),社会日新月异的变化引发了许多现实思考。书中提到一个细节,曾有一家报纸为了宣传艺术画展写道:如果想“继续参加艺术的赛跑”,作文定要参加当前的个人画展。

贡布里希反驳说:“根本没有这样的赛跑,如果有,那我们也最好记住龟兔赛跑的寓言。”

艺术故事的读后感(篇2)

《艺术家的故事》这本书适合我们这样的青少年或是儿童阅读的书,这本事是由48个故事组成的,一共为7个章节,分别是“喜剧巨星”卓别林,雕塑大师罗丹,“印象派化的始祖”莫奈,全能天才达芬奇,咏唱生命之歌的柴可夫斯基,与命运抗争的强者贝多芬,还有音乐使者莫扎特。这几个题目鲜明的告诉我们它写的是关于一些名人的故事。

这个故事的前言还告诉了我们这些故事是在21世纪发生的,21世纪是一个充满竞争的世纪,少年儿童是未来的主人,在他们儿时所形成的兴趣、爱好、志向将印证在他们未来的一生。

现在我们大家也都发现了,大多数的家长都在采用填鸭似的教育方法,给孩子们造成了极大的痛苦,正如一头不想喝水的牛,人们总想用蛮力把它的头按到水中喝水……。这倒不如用讲故事的方法教育孩子,有人认为阅读名人做事是成年人的事,其实对一个很多方面已经定型的成年人来说,这只能算是锦上添花而少年儿童具有天然的可塑性,他们每阅读一个名人故事,就会在他们的内心深处进行一次雕塑,就像在他们不断升级的硬件中增添了一个又一个优秀的软件……。

这本书很适合青少年或儿童阅读,因为这里的48个故事能影响孩子的一生。你还在等什么,快来看吧!

艺术故事的读后感(篇3)

关于中外艺术家故事的读后感400字

《中外艺术家故事》主要讲了中国及外国众多名人成才的故事,他们成才的经历很值得我们学习,让我受益匪浅。

其中我觉得认真的米开朗琪罗最值得我学习。米开朗琪罗是意大利著名的雕刻家、建筑师,一次他全神贯注的雕刻一尊雕像,在即将告成时,一位朋友到他家来做客,欣赏他的作品,一段时间以后,朋友又来到他家,发现他还在雕刻,于是嘲笑他的动作比蜗牛还慢,作品跟上次看上去差不多,没什么区别。于是米开朗琪罗说:只有细节,才能成为完美的雕刻。他认真的态度和对细节的追求令我折服。平时我学习总是不太认真,有时较难写的字就记个大概,不注意里面的细节,还有些较难的数学题,不会也不认真思考,妈妈讲,不管懂还是不懂,装明白,不求甚解;要么听老师讲,只听个皮毛,就认为会了,一知半解。

艺术故事的读后感(篇4)

读了这本书《艺术的故事》后,感觉它为我打开了一个崭新的世界,这也是我们学艺术讨论最多的一个问题创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新,艺术的风格怎样变化,一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢,不是,它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续,一个艺术创新的问题,就这点而言最适合学艺术来读的。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术着作,作者开宗明义:本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言,让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之,这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是:这是什么样的轮廓啊!显然,艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林,他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念,即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远,成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中,我们却看到了作者更简洁的手法,他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是,这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点,我们在阅读时将不难发现。

本书作者的另一个重要思想,即作者在前言中所交代的一个观点:一方面,在艺术问题的解决上,某个问题的解决方案无论怎样激动人心,都毫无例外的在别处激起了新问题;另一方面,艺术发展在一个方面有什么所得或进步,都必然会在另一个方面有所失,主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因,《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事,每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,因为在这个故事中,哪一方面也不如这样的景观奇妙:即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说,艺术为何会有一部历史?作者以其特有的方式给出了回答。因此,如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话,那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式,而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时,作者建立了一个社会情境的模式,这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是,作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻,真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度,正所谓意深而文明,使其写作本身就成了一种艺术。

西文艺术史的研究,从作为一门学科算起,已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前,主要集中在德语国家,所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初,艺术史研究中出现了一种趋势,即要为艺术史找到一种科学基础,于是学者纷纷把目光转向了心理学,并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何,例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称,就会妨碍人们对侧面像的描绘,要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界,就是这场与知识的破坏力量的斗争,以及要恢复纯眼的决心,使艺术从埃及的完全概念性的艺术走向了印象主义的完全知觉性的艺术。

艺术故事的读后感(篇5)

亚里士多德说:“我们无法通过智力去影响别人,情感却能做到这一点。”小时候,我们都爱听故事。曾有这么一个故事,即使我们听到感觉无聊之极,“从前有座山,山上有座庙,庙里有个老和尚,老和尚在讲故事,从前有座山……”其实,有科学数据统计,爱听故事是人类的天性,基于感官的求知,植根于脑海,深埋于心智,即使随着年龄的增长,我们也不会改变爱听故事的习性。

在现实生活中,我们会发现即使很努力去做一件事,可还是不成功,要不就是离目标值相差太多,于是我们在论及成功与否的原因时,很多人会归结于命运、风势、人和、技艺等,事实上我们常常忽略了一点就是我们之所以失败是我们还不会讲故事而已。

“讲故事将会成为21世纪最应具备的基本技能之一。”著名作家丹尼皮克在《认同感用故事包装事实的艺术》一书中指出道。确实如此,会讲故事,代表个人口才能力强以及组织语言的逻辑思维好。会讲故事,代表着我们能地向这个世界较准确地表达我们的想法和创意。会讲故事,往往是个人成长过程中的重要品质之一。未来社会精英人才的必备技能之一就是口才了。“故事最重要的目的不是告诉,而是引导我们去思考,所以才是影响与说服的最佳工具。”包括我们在营销产品的时候,说服客户和投资商,引导他们走进产品的创意过程以及营销策略。

品牌的打造也和讲故事有关。原因在于品牌的塑造是要挖掘出一个有生命的原型,并通过故事进行包装,从而达到自身影响力和客户的认同感。大多票房极高的电影,美国电影行业塑造的超级英雄系列为什么会受到那么多人的喜爱呢?就是因为他们会讲故事,塑造有生命力、有内容情节的电影品牌。

书中还有一个观点,“最好的故事从不教人新东西。相反,最好的故事认同读者的想法,使每个读者感觉到他们的想法是聪明的,可信的,还会提醒读者他们是最正确的。”会讲故事的人受到欢迎,在于讲的故事引起读者共鸣,在心理学上叫做共情现象,勾起读者相似的记忆和情愫。

艺术故事的读后感(篇6)

埃及,一个被笼上灰色面纱的神秘国度,金字塔,木乃伊,狮身人面像...还有被人们口口相传的危险诅咒,这一切的诡秘,不由得激起我们对于埃及的强烈好奇和探寻。一个有着悠久历史的国家,必然有其艺术历史的弥留,并伴有着古老的烙印在这个民族血液中的特殊含义,当我们亲手揭开那层面纱,看到藏在她背后的奇妙艺术世界。

艺术与信仰

埃及美术的产生与发展与他们的宗教信仰有着莫大的联系,他们崇拜太阳神,水神等其他诸神,在宗教的发展中,为了维系宗教的核心思想和内涵,必然需要用一些客观的方式是展现以及延续他们的信仰,由此便诞生了一系列埃及艺术品,而在当时,在他们的眼中,这些并不是为了审美的需要或者有着艺术的价值,并不能被称为是艺术品,而是他们的信念必需品,是民族宗教信仰的必需品。

在埃及,被学者们发现的大大小小的金字塔拔地而起,以及其中精美的葬品和壁画中,我们不难看出,这曾是一个辉煌的国度,世世代代掌握无上王权的国王,以及成千上万的劳动者和奴隶所共同铸就的一个国度。其中国王被认为是掌握权力的神人,相信法老是神的化身,是太阳神之子,在埃及人的眼中,要使灵魂到达了冥界,并继续生存,就得要使其肉体金刚不坏才得以保全,因此,便出现将国王的尸体制作成木乃伊这一行为,以达成他们内心所向往的永生。相应地,随之而来的是作为墓主人的永生住宅,其内壁装饰和结构修建,也便自然而然地成为了的重中之重。也正是这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一些列艺术的产生。

建筑的威严

埃及美术建筑追求体量巨大,雄伟壮观,由此给人一种至高无上的威严感,这一点在金字塔上显而易见。金字塔是古代七大奇迹之一,其中最为有名的胡夫金字塔,建于埃及第四王朝的第二个国王胡夫统治时期,该建筑原高145.5米,底面成正方形,每边长230多米。塔身有230万块巨石组成,而每块巨石大小不一,分别重达1.5吨至160吨。而如此宏伟的地理标识,不是大自然的天造地设而是埃及古人们的鬼斧神工。据考证,为建成大金字塔,一共动用了10万人花费了20年时间。由此可见,宗教信仰提供给一个民族的精神力量是多么的强大,直至现在人们仍对着几千年前的奇迹叹为观止。由于人们对于太阳神的崇拜,也赋予了金字塔是作为法老起上天的天梯,就是这样一座天梯又以角锥体呈现,意味着是刺破青天的太阳光芒。如是,在《金字塔铭文》中有这样一句话:“天空把自己的光芒伸向你,以便你可以去到天上,犹如拉的眼睛一样。”

雕刻的艺术

作为同样是为了保证法老永生的方式,除去木乃伊以外,他们还会叫来雕刻家,用坚硬的花岗岩雕刻出国王的头像,放置在无人可见的墓中,而法老也借助雕像得以长存。在保留带来的历代国王雕像中,我们可以看出,雕刻家们并没有选择以精雕细琢的方式去一一展现法老们的五官细节,他们在意的只有最基础的东西,而其次的细节皆被忽略。以我们今天的眼光看来,这些头像并不乏美感,虽然有着几何图形的刻板影子,但又不仅仅是停留在原始几何的生硬,依旧形象动人。当时的埃及雕刻家将对于自然的观察跟总体的匀称相协调,兼顾平衡,使得天平的两端得以均衡,而使得在肖像中向我们展现出了其古老悠久而又真实生动。

对于自然几何的深刻把控,使得我们能够欣赏到当时生动有趣的埃及壁画和浮雕,在当时,人们并不理解透视,以至于在他们的笔下呈现出的壁画让我们第一眼难以理解,但在那时,绘画对于他们来说并不具有审美价值,而是为了另一种目的的服务,艺术家们以尽可能的把他们所看到的一切事物都保留下来目的,好不好看不是关键,完不完整才是他们秉持着的原则。这些壁画,看似不符合视觉逻辑,如同儿童绘制一般,但实际上,他们在绘制过程中有着他们所坚持着的严格规则。无论是描述哪一样事物,他们都是从其最具特性的角度去记录。而正面律便是最能概括这一艺术特色的规律,以这种方式来表现人体,能够最大程度上地将人体的所有重要的东西都展现出来,而遵循这规律原因也是为了奉献给死者一个完整的'躯体。

除此之外,在埃及壁画表现中,术家想表达的也不仅仅是其对于事件的描述和人物的外形,在绘制过程中,在绘制过程中,也要传达出这幅画中人物的意义,会通过刻意地放大重要人物或是将重要人物展现在画面视觉的中心位来体现人物地位的尊贵。

永恒的艺术

埃及艺术最伟大的特色之处,就在于在他的建筑,雕像,壁画等一切艺术品中能够延续着统一法则,在每一个领域各安其位,各得其所。一以贯之,从而形成属于其自己民族的民族风格,形成永恒的艺术,永恒的风格。

艺术故事的读后感(篇7)

Phivos:品牌的发展有四个阶段:功能认知,产品特性,品牌情节,品牌联盟。相比独特销售主张来讲,品牌更需要的是独特价值主张。故事思维不针对产品功能,除了情节还有主题,除了给出唯一解决方法,还鼓励人们相信产品之外的更多东西。除了了交流他们强烈赞同的理念或者价值观之外,还要解释为什么在利益驱使之下这个品牌依然能够存在。品牌是单层的,而品牌故事则是双层的。它们有一个共同的外层,是通过使用某一产品获得的结果或者功能性收益。但是,品牌故事又多了一个内层,这个内层给了品牌距离感和历史感。故事揭示内涵,但从不指明内涵。故事用说明性的介绍和逻辑论证直白地告诉我们作者打算传达的意思,那是社论而不是故事。读完故事,我们自己会判断它是否有意义。如同故事的主题,作为品牌最好留给别人去诠释,而非自己来解释。解释得越多,品牌的影响就越容易被忽视,甚至更糟糕,引起反感。品牌故事要着眼于超越现实。了解你的品牌信念以及它代表着什么,并且将它们展现出来。值得信赖的人从来不会告诉你他是值得信赖的。最好的书是将你已经知道的讲给你听。告诉别人他们已经知道的——这是品牌营销者应该从故事力量中学到的重要一课。用一种新的、更具关联性的方式来告诉我们,但是不会也不能改变这些东西的本质。市场营销的理念告诉我们,先研究客户;而故事思维告诉我们,需要先研究品牌。营销是品牌的理性目标,提高品牌利润则需要赋予品牌更好的人文价值。从故事思维的角度看,USP更像是一个故事的情节,UVP更像是故事的主题。真相不是发生的事情。真相是我们认为发生的事情。我们所说的不是事实,我们深信的才是事实。最有创造力的人都是那些集大成者。他们就像超级海绵,依靠感官吸收大量的信息,然后把这些信息与存储在头脑中的信息整合,瞬间完成转换:看待事物的新角度由此诞生。把品牌当作一种人们普遍认同的信念或者价值观,会促使一个品牌变得强大,而且使消费者和品牌之间的关系经久不衰,这要比仅仅从一个品牌独一无二的销售主张(USP)的角度来考虑问题要有效得多。

艺术故事的读后感1000字


常言道:“一月不读书,耳目失精爽。”我们一定都有看过一些书,语文老师会在我们读完一本书后布置一篇相关作文,用来记录文章中自己喜欢的句子以及阅读文章的感受,那么,值得被我们借鉴的读后感有哪些?下面是小编精心为你整理的“艺术故事的读后感1000字”,请收藏并分享给你的朋友们吧!

艺术故事的读后感 篇1

谈话本是再平常不过的事情,但对于教师的我们来说,如何使谈话成为一种自然、流畅、真诚的语言交流,这就让我有兴趣拜读《谈话的艺术》这本书。

?谈话的艺术》这本书是曾耶鲁大学知名讲师克莱泽所著。本书让我学会了一些谈话的技巧和实用性的建议,让我在社交活动中保持仪态,避免令人尴尬的沉寂和语塞,使自己成为受欢迎的人。

本书还让我认识到嗓子的重要性,让我学会如何保护好自己的嗓子。嗓子对于演讲者来说是非常重要的,如果嗓子出问题了,那再好的演讲者,再好的演讲稿也不能表达出来。而作为教师的我也深深体会到嗓子出问题了的严重性。前一段时间因为没有保护好嗓子,乱吃东西,导致嗓子发炎红肿,发不出声音,严重影响了我的教学工作。在课堂上想讲课,喉咙又发不出声音,我讲的辛苦,孩子们也听得辛苦,经过这次以后我也知道了保护嗓子的重要性,再也不敢胡乱吃东西伤害喉咙。

所以嗓子对于我们教师而言是十分重要的。广大教师群中得慢性咽炎疾病的不在少数,慢性咽炎已成为我们教师的职业病,而这是我们平时对嗓子运用不恰当或者讲课时声嘶力竭造成的结果。所以我们一定要在日常生活中好好保护好自己的嗓子。多进行正确,运用嗓子的训练。不要等到喉咙生病了才去重视。

艺术故事的读后感 篇2

《艺术家的故事》这本书适合我们这样的青少年或是儿童阅读的书,这本事是由48个故事组成的,一共为7个章节,分别是“喜剧巨星”卓别林,雕塑大师罗丹,“印象派化的始祖”莫奈,全能天才达芬奇,咏唱生命之歌的柴可夫斯基,与命运抗争的强者贝多芬,还有音乐使者莫扎特。这几个题目鲜明的告诉我们它写的是关于一些名人的故事。

这个故事的前言还告诉了我们这些故事是在21世纪发生的,21世纪是一个充满竞争的世纪,少年儿童是未来的主人,在他们儿时所形成的兴趣、爱好、志向将印证在他们未来的一生。

现在我们大家也都发现了,大多数的家长都在采用填鸭似的教育方法,给孩子们造成了极大的痛苦,正如一头不想喝水的牛,人们总想用蛮力把它的头按到水中喝水……。这倒不如用讲故事的方法教育孩子,有人认为阅读名人做事是成年人的事,其实对一个很多方面已经定型的成年人来说,这只能算是锦上添花而少年儿童具有天然的可塑性,他们每阅读一个名人故事,就会在他们的内心深处进行一次雕塑,就像在他们不断升级的硬件中增添了一个又一个优秀的软件……。

这本书很适合青少年或儿童阅读,因为这里的48个故事能影响孩子的一生。你还在等什么,快来看吧!

艺术故事的读后感 篇3

老师给我们推荐了很多艺术类的书,其中有一本叫《艺术的故事》,这本书很强大,被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家,也是最具独创性的思想家之一。

读这本书的时候,我怀着毕恭毕敬的心情,本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人,以前看书只要超过400页我都没有看完,我一直以来都没有读书的习惯,看着那些密密麻麻的字,总是耐不下心来,把一本书给读完,更别说从中找到乐趣了。但是,这本书好像有巨大的魔力,每天早上都催促着我起床,把我呼唤到图书馆,那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我,读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受,每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界,总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了,一开始的时候,觉得不就是画了12个人而已嘛,但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写,虽然篇幅不是很长,但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生,她真像是正在看着我们,而且她有着自己的想法。就在这里,作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图,可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是,凡是有可以做比较的参照物,作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页,具体是什么地方可以对比或者反衬,我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法,更是一种学习的态度。

在前言我被震撼了,看到了很多实话。作者骇人听闻地说:“现实中根本没有艺术这种东西,只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回,不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西,而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实,也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史,而是描述了一系列的“问题情境”,他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

读完这么一本厚厚的书,觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术,而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以,这本书值得我们去读。

艺术故事的读后感 篇4

亚里士多德说:“我们无法通过智力去影响别人,情感却能做到这一点。”小时候,我们都爱听故事。曾有这么一个故事,即使我们听到感觉无聊之极,“从前有座山,山上有座庙,庙里有个老和尚,老和尚在讲故事,从前有座山……”其实,有科学数据统计,爱听故事是人类的天性,基于感官的求知,植根于脑海,深埋于心智,即使随着年龄的增长,我们也不会改变爱听故事的习性。

在现实生活中,我们会发现即使很努力去做一件事,可还是不成功,要不就是离目标值相差太多,于是我们在论及成功与否的原因时,很多人会归结于命运、风势、人和、技艺等,事实上我们常常忽略了一点就是我们之所以失败是我们还不会讲故事而已。

“讲故事将会成为21世纪最应具备的基本技能之一。”著名作家丹尼皮克在《认同感用故事包装事实的艺术》一书中指出道。确实如此,会讲故事,代表个人口才能力强以及组织语言的逻辑思维好。会讲故事,代表着我们能地向这个世界较准确地表达我们的想法和创意。会讲故事,往往是个人成长过程中的重要品质之一。未来社会精英人才的必备技能之一就是口才了。“故事最重要的目的不是告诉,而是引导我们去思考,所以才是影响与说服的最佳工具。”包括我们在营销产品的时候,说服客户和投资商,引导他们走进产品的创意过程以及营销策略。

品牌的打造也和讲故事有关。原因在于品牌的塑造是要挖掘出一个有生命的原型,并通过故事进行包装,从而达到自身影响力和客户的认同感。大多票房极高的电影,美国电影行业塑造的超级英雄系列为什么会受到那么多人的喜爱呢?就是因为他们会讲故事,塑造有生命力、有内容情节的电影品牌。

书中还有一个观点,“最好的故事从不教人新东西。相反,最好的故事认同读者的想法,使每个读者感觉到他们的想法是聪明的,可信的,还会提醒读者他们是最正确的。”会讲故事的人受到欢迎,在于讲的故事引起读者共鸣,在心理学上叫做共情现象,勾起读者相似的记忆和情愫。

艺术故事的读后感 篇5

埃及,一个被笼上灰色面纱的神秘国度,金字塔,木乃伊,狮身人面像...还有被人们口口相传的危险诅咒,这一切的诡秘,不由得激起我们对于埃及的强烈好奇和探寻。一个有着悠久历史的国家,必然有其艺术历史的弥留,并伴有着古老的烙印在这个民族血液中的特殊含义,当我们亲手揭开那层面纱,看到藏在她背后的奇妙艺术世界。

艺术与信仰

埃及美术的产生与发展与他们的宗教信仰有着莫大的联系,他们崇拜太阳神,水神等其他诸神,在宗教的发展中,为了维系宗教的核心思想和内涵,必然需要用一些客观的方式是展现以及延续他们的信仰,由此便诞生了一系列埃及艺术品,而在当时,在他们的眼中,这些并不是为了审美的需要或者有着艺术的价值,并不能被称为是艺术品,而是他们的信念必需品,是民族宗教信仰的必需品。

在埃及,被学者们发现的大大小小的金字塔拔地而起,以及其中精美的葬品和壁画中,我们不难看出,这曾是一个辉煌的国度,世世代代掌握无上王权的国王,以及成千上万的劳动者和奴隶所共同铸就的一个国度。其中国王被认为是掌握权力的神人,相信法老是神的化身,是太阳神之子,在埃及人的眼中,要使灵魂到达了冥界,并继续生存,就得要使其肉体金刚不坏才得以保全,因此,便出现将国王的尸体制作成木乃伊这一行为,以达成他们内心所向往的永生。相应地,随之而来的是作为墓主人的永生住宅,其内壁装饰和结构修建,也便自然而然地成为了的重中之重。也正是这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一些列艺术的产生。

建筑的威严

埃及美术建筑追求体量巨大,雄伟壮观,由此给人一种至高无上的威严感,这一点在金字塔上显而易见。金字塔是古代七大奇迹之一,其中最为有名的胡夫金字塔,建于埃及第四王朝的第二个国王胡夫统治时期,该建筑原高145.5米,底面成正方形,每边长230多米。塔身有230万块巨石组成,而每块巨石大小不一,分别重达1.5吨至160吨。而如此宏伟的地理标识,不是大自然的天造地设而是埃及古人们的鬼斧神工。据考证,为建成大金字塔,一共动用了10万人花费了20年时间。由此可见,宗教信仰提供给一个民族的精神力量是多么的强大,直至现在人们仍对着几千年前的奇迹叹为观止。由于人们对于太阳神的崇拜,也赋予了金字塔是作为法老起上天的天梯,就是这样一座天梯又以角锥体呈现,意味着是刺破青天的太阳光芒。如是,在《金字塔铭文》中有这样一句话:“天空把自己的光芒伸向你,以便你可以去到天上,犹如拉的眼睛一样。”

雕刻的艺术

作为同样是为了保证法老永生的方式,除去木乃伊以外,他们还会叫来雕刻家,用坚硬的花岗岩雕刻出国王的头像,放置在无人可见的墓中,而法老也借助雕像得以长存。在保留带来的历代国王雕像中,我们可以看出,雕刻家们并没有选择以精雕细琢的方式去一一展现法老们的五官细节,他们在意的只有最基础的东西,而其次的细节皆被忽略。以我们今天的眼光看来,这些头像并不乏美感,虽然有着几何图形的刻板影子,但又不仅仅是停留在原始几何的生硬,依旧形象动人。当时的埃及雕刻家将对于自然的观察跟总体的匀称相协调,兼顾平衡,使得天平的两端得以均衡,而使得在肖像中向我们展现出了其古老悠久而又真实生动。

对于自然几何的深刻把控,使得我们能够欣赏到当时生动有趣的埃及壁画和浮雕,在当时,人们并不理解透视,以至于在他们的笔下呈现出的壁画让我们第一眼难以理解,但在那时,绘画对于他们来说并不具有审美价值,而是为了另一种目的的服务,艺术家们以尽可能的把他们所看到的一切事物都保留下来目的,好不好看不是关键,完不完整才是他们秉持着的原则。这些壁画,看似不符合视觉逻辑,如同儿童绘制一般,但实际上,他们在绘制过程中有着他们所坚持着的严格规则。无论是描述哪一样事物,他们都是从其最具特性的角度去记录。而正面律便是最能概括这一艺术特色的规律,以这种方式来表现人体,能够最大程度上地将人体的所有重要的东西都展现出来,而遵循这规律原因也是为了奉献给死者一个完整的'躯体。

除此之外,在埃及壁画表现中,术家想表达的也不仅仅是其对于事件的描述和人物的外形,在绘制过程中,在绘制过程中,也要传达出这幅画中人物的意义,会通过刻意地放大重要人物或是将重要人物展现在画面视觉的中心位来体现人物地位的尊贵。

永恒的艺术

埃及艺术最伟大的特色之处,就在于在他的建筑,雕像,壁画等一切艺术品中能够延续着统一法则,在每一个领域各安其位,各得其所。一以贯之,从而形成属于其自己民族的民族风格,形成永恒的艺术,永恒的风格。

艺术故事的读后感 篇6

计算教学对于一线教师来说不难但上好计算课并非易事,徐斌老师通过大量的专题调研,发现了计算教学的四大矛盾,即情境创设与复习铺垫,算理直观与算法抽象,算法多样与算法优化,解决问题与技能形成。他结合日常课堂教学,不断探索与改进,他的计算课不漏痕迹的渗透和潜移默化的引导,正是有效计算的计算教学的法宝。

徐老师通过计算教学的充分关注,拓宽了教学的视野。如:他在执教《9加几》时,学生自己先思考,再和同桌说说自己怎么想的,全班交流,教师并不急于优化算法,而是板书其中的一种凑十法,在不断地追问中,让学生思维碰撞,说出自己对破十法的理解,运用数学语言叙述清楚思路,这样学生才能真正心领神会凑十法的意义,学生不是机械地会计算,在动手操作、交流中的数学思考,才是最为重要的。

他认为:“计算教学既要让学生在直观中理解算理,也需要让学生掌握抽象的法则,更需要让学生充分体验由算理直观化到算法抽象性之间的过渡和演变过程,从而达到对算理的深层理解和对算法的切实把握。”是呀,能不漏痕迹地把教育意图隐藏起来,这是多么地有教育意义啊。

其实我也发现现在的孩子们算然每天也不断练习,但是孩子们的计算能力却不高,这说明我们的课堂还存在不少的问题,我还需要不断地学习与改进,上好计算课,真正提高孩子们的计算兴趣。

艺术故事的读后感 篇7

Phivos:品牌的发展有四个阶段:功能认知,产品特性,品牌情节,品牌联盟。相比独特销售主张来讲,品牌更需要的是独特价值主张。故事思维不针对产品功能,除了情节还有主题,除了给出唯一解决方法,还鼓励人们相信产品之外的更多东西。除了了交流他们强烈赞同的理念或者价值观之外,还要解释为什么在利益驱使之下这个品牌依然能够存在。品牌是单层的,而品牌故事则是双层的。它们有一个共同的外层,是通过使用某一产品获得的结果或者功能性收益。但是,品牌故事又多了一个内层,这个内层给了品牌距离感和历史感。故事揭示内涵,但从不指明内涵。故事用说明性的介绍和逻辑论证直白地告诉我们作者打算传达的意思,那是社论而不是故事。读完故事,我们自己会判断它是否有意义。如同故事的主题,作为品牌最好留给别人去诠释,而非自己来解释。解释得越多,品牌的影响就越容易被忽视,甚至更糟糕,引起反感。品牌故事要着眼于超越现实。了解你的品牌信念以及它代表着什么,并且将它们展现出来。值得信赖的人从来不会告诉你他是值得信赖的。最好的书是将你已经知道的讲给你听。告诉别人他们已经知道的——这是品牌营销者应该从故事力量中学到的重要一课。用一种新的、更具关联性的方式来告诉我们,但是不会也不能改变这些东西的本质。市场营销的理念告诉我们,先研究客户;而故事思维告诉我们,需要先研究品牌。营销是品牌的理性目标,提高品牌利润则需要赋予品牌更好的人文价值。从故事思维的角度看,USP更像是一个故事的情节,UVP更像是故事的主题。真相不是发生的事情。真相是我们认为发生的事情。我们所说的不是事实,我们深信的才是事实。最有创造力的人都是那些集大成者。他们就像超级海绵,依靠感官吸收大量的信息,然后把这些信息与存储在头脑中的信息整合,瞬间完成转换:看待事物的新角度由此诞生。把品牌当作一种人们普遍认同的信念或者价值观,会促使一个品牌变得强大,而且使消费者和品牌之间的关系经久不衰,这要比仅仅从一个品牌独一无二的销售主张(USP)的角度来考虑问题要有效得多。

艺术故事的读后感 篇8

“没有艺术这回事,只有艺术家而已。”这是贡布里希书中的第一句话。他说,艺术在不同时代所指的事物会大不相同。诚然,艺术与审美分不开,而审美在现代是一件自由而私人化的事情;然而,追根溯源,想要从远古时期获得艺术定义——山洞中发现远古时期的彩绘,被现代人赞不绝口。可这些所谓的“艺术”放在几万年前,只是为了驯服猎物的而进行的涂画,其功能性职责远大于艺术属性。

“艺术是什么?”似乎是一道无解的题,无法用语言组织答案,但其实,答案早已写在艺术家的作品。《艺术的故事》是贡布里希版的艺术史,他用艺术家与作品的故事串联起艺术的数千年。书中,贡布里希尝试为读者建造连贯的艺术史理解。他乐此不疲地用故事引导读者读下去,并一次又一次带领读者跳跃式回忆之前提到的作品,配合着后半册的印刷作品,那些细细碎碎的“知识点”忽然在脑子里连成一线。

“艺术的故事中哪一个方面都不如这个方面奇妙可观——一条有生命的传统锁链还继续把我们当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。”贡布里希写到。历史没有所谓的“新篇章”,时代也不像图书章节一样,翻页即结束。任何作品都不是横空出世,每一位作家都会或多或少受前期某个艺术风格的影响,而每一个作品和故事也都回顾着过去又导向未来。西方古典艺术作品,对艺术史稍有了解的人都可以说出一二,但也经常会停留在作品罗列的层面。贡布里希就是在帮助读者往艺术的世界再进一步——建立艺术史思维网络。

贡布里希不仅在宏观层面上为读者建立史论基础,也在细致的描绘中尝试打破固有的“标签化”理解。为了朗朗上口,每一个时期都被总结出大致的标签,这也是“教科书史观”给人种下的刻板印象。例如,说起中世纪和它的艺术,“黑暗、控制、教化”等灰色调的词语会浮现在脑海里,这是一种碎片化和片面的理解。的确,优美、标准和生动不是中世纪作品的追求,意义才是。这个时期的绘画和雕塑形象不强调真实的描绘,而更注重背后的宗教意义。

然而,就是这种透过形象来研究象征和符号意义的过程打开了“图像学”的大门。如果说,埃及艺术表达的是知道的存在,希腊人细致的描绘眼睛看见的事物,而中世纪的艺术家开始在作品中表现感觉。比如,在欧洲的中世纪教堂中,不难看到彩色的玻璃窗——浓郁的红色和鲜明的蓝成为人物的底色——他们任意运用色彩,跳脱出感官的世界,更加注重感觉的表达。如此自由而任性的表现,恰恰是“被控制”的中世纪艺术家做到了。

贡布里希认为艺术家应该有“跳脱感观世界”的能力。“一旦艺术家最终彻底放弃把事物表现出我们眼见的样子,他们的面前将会展现多么伟大的前景。”然而,当下社会的儿童艺术教育很容易引领孩子放弃“伟大的前景”,他们被教育把天真的想象力框在“标准答案”里,所有的声音都在告诉孩子:“天必湛蓝,草必青青。”

文章开头提到,贡布里希认为没有艺术这回事,但他的后半句转折道,艺术家是真真切切的存在。“那些男男女女,具有惊人的天赋,平衡形状和色彩以达到合适。不仅如此,他们不肯半途中止,却时时刻刻准备放弃唾手可得的效果,放弃表面的成功,去踏踏实实的经历辛苦和痛苦。”他相信,在每个时代都会有艺术家诞生。当然,我们生活的时代一定也存在伟大的艺术家。只是身在其中,很难跳脱出看待“今日艺术”,也难以判定这是否是一个有利于艺术发展的时代。

这是计算机的时代,机器逐渐“人化”,甚至参与创作,这让艺术家不寒而栗;这也是资本的时代,时尚行业裹挟着艺术,他伤害着我们追求的审美自由。当世界在呼喊着“快速;消费;时尚”的时候,又该如何劝艺术家“去踏踏实实的经历辛苦和痛苦”?

本书的最后一章名为《没有结尾的故事》,贡布里希完成于《艺术的故事》随后的两次再版时(1966和1989),社会日新月异的变化引发了许多现实思考。书中提到一个细节,曾有一家报纸为了宣传艺术画展写道:如果想“继续参加艺术的赛跑”,作文定要参加当前的个人画展。

贡布里希反驳说:“根本没有这样的赛跑,如果有,那我们也最好记住龟兔赛跑的寓言。”

艺术故事的读后感 篇9

关于中外艺术家故事的读后感400字

《中外艺术家故事》主要讲了中国及外国众多名人成才的故事,他们成才的经历很值得我们学习,让我受益匪浅。

其中我觉得认真的米开朗琪罗最值得我学习。米开朗琪罗是意大利著名的雕刻家、建筑师,一次他全神贯注的雕刻一尊雕像,在即将告成时,一位朋友到他家来做客,欣赏他的作品,一段时间以后,朋友又来到他家,发现他还在雕刻,于是嘲笑他的动作比蜗牛还慢,作品跟上次看上去差不多,没什么区别。于是米开朗琪罗说:只有细节,才能成为完美的雕刻。他认真的态度和对细节的追求令我折服。平时我学习总是不太认真,有时较难写的字就记个大概,不注意里面的细节,还有些较难的数学题,不会也不认真思考,妈妈讲,不管懂还是不懂,装明白,不求甚解;要么听老师讲,只听个皮毛,就认为会了,一知半解。

艺术故事的读后感 篇10

读了这本书《艺术的故事》后,感觉它为我打开了一个崭新的世界,这也是我们学艺术讨论最多的一个问题创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新,艺术的风格怎样变化,一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢,不是,它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续,一个艺术创新的问题,就这点而言最适合学艺术来读的。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术着作,作者开宗明义:本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言,让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之,这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是:这是什么样的轮廓啊!显然,艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林,他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念,即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远,成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中,我们却看到了作者更简洁的手法,他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是,这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点,我们在阅读时将不难发现。

本书作者的另一个重要思想,即作者在前言中所交代的一个观点:一方面,在艺术问题的解决上,某个问题的解决方案无论怎样激动人心,都毫无例外的在别处激起了新问题;另一方面,艺术发展在一个方面有什么所得或进步,都必然会在另一个方面有所失,主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因,《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事,每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,因为在这个故事中,哪一方面也不如这样的景观奇妙:即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说,艺术为何会有一部历史?作者以其特有的方式给出了回答。因此,如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话,那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式,而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时,作者建立了一个社会情境的模式,这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是,作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻,真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度,正所谓意深而文明,使其写作本身就成了一种艺术。

西文艺术史的研究,从作为一门学科算起,已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前,主要集中在德语国家,所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初,艺术史研究中出现了一种趋势,即要为艺术史找到一种科学基础,于是学者纷纷把目光转向了心理学,并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何,例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称,就会妨碍人们对侧面像的描绘,要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界,就是这场与知识的破坏力量的斗争,以及要恢复纯眼的决心,使艺术从埃及的完全概念性的艺术走向了印象主义的完全知觉性的艺术。

《民族认同》读后感6000字


2019年8月份读了安东尼D.史密斯写的《民族认同》一书。他在本书中提出非常有趣的一些概念或者是理论,例如关于民族的定义、民族认同的构成、民族主义的形成和类型等等。接下来我将围绕这些概念谈谈对它的理解和感想。每当读到西方学者写的经典著作时,我就无不感叹其研究视角的独特性、研究深度和广度的完美结合。而在现代国内学术界中为何没有产生这种具有深远影响的著作和大师的疑问总是油然而生,我们也许需要积累、也许需要进行制度创新。总而言之,我们需要两样东西,那就是时间和实践。对于学术成果而言时间是客观世界里的事物,因此我们无法干预其发展的大体方向,所以只能等待,等待学术成果从量变到质变的那一刻。而实践对应的是我们每一个人,是属于主观世界的产物。我们除了等待时间和积累成果外,唯一能做的就是从自身开始做出改变。因此我们不能拘泥于想法的不成熟、也不能急功近利,只要每个人都要埋头苦干,拥有把想法敢于实践的勇气和信心的话就会获得意想不到的收获。也就是说,对于个体而言中国学术的希望在于实践,再微小的行为也好于死在胚胎中的伟大思想。当这种改变从一个人增长到一定数量的人时,也许就能推动整个学术界前进的脚步。以上是我读完本书后关于我国学术思想发展的一点感想,下面将回到《民族认同》这本书的讨论。

一、民族是现代的概念

安东尼D.史密斯关于民族是现代的观点是是整本书的点睛之笔。他的一切关于民族的观点都将围绕着它论述,而且其在现实中也是如此。也就是说民族是在当今社会中人们的互动中产生的一种交流背景,它赋予个体行为某种群体性意义。例如,某个游牧民族的个体擅长骑马的话,在别人看来是理所应当的事情。因为他的骑马行为中所表达出来的社会意义是游牧民族的生活中必备技能之一,也就是外人对游牧民族的标签式认识使某些个体的行为理解成理所当然。因此我们在日常生活中总是理所当然的认为汉族学生的学习成绩就是好,北方少数民族的酒量好等。当我们见到学习成绩不好的汉族学生或者是不会喝酒的北方少数民族学生时就会感到特别的不可思议,总想知道这种特殊现象存在的原因。其实没有什么特殊的原因,也许有些人就是不爱学习、有些人就是不爱喝酒而已。从主体的角度而言这种认识是民族背景赋予个体行为某种集体性行为意义的结果,从客体的角度而言是一种标签化认识的结果。这种民族背景源自于共同的文化信仰、祖先历史、政治制度、生产方式、生活习惯和地理环境。这些因素是现代意义上的民族形成以前就存在人类的社会生活中,此前我们称其为宗族、部落、族裔和族群。那么民族与它们之间最大的差别在于前者更加注重政治制度的自治和地理环境的界限,二者有时成为民族活动的动机和目标。类似的观点在安东尼D.史密斯的《民族的认同》一书中出现的频率很高,他写道:只有通过自治,民族及其成员才能够以一种真实的方式实现自我。自治是每个民族主义者的目标。(96页)我把民族形成过程中政治制度的自治化和地理环境的界限化趋势统称为民族的政治化,它必然的造成了民族的功利性。换言之,现代意义上的民族最显著的特征就是政治化和功利性。

现代民族的政治化主要从群体性的角度出发探讨对个体的监控、支配、甚至是惩罚,而功利性主要从个体的角度出发探讨对民族的消费和利用。我们首先探讨一下民族发展过程中的政治化特征,其最主要的表现形式是高度统一人们的思想和行为。它通过以下两种手段来实现和巩固其政治化的目的;一是实行层级管理,它不同于马克思韦伯的科层制(官僚体系),因为前者各层次之间不存在明确的上下级关系,各层次之间相互区分的主要依据是靠相对主体民族而存在的亚民族的规模、文化和现代政治中的不同表现形式。例如,有些国家建构了国族,国族下面是组成它的各个民族,每个民族内部又划分不同亚民族。因此我们不能认定国族是组成它的各个民族的上级领导组织,这种层级管理存在的最大意义在于它能有效的调整不同主体对民族的不同层次的认同。例如,个体在家族中的民族认同是亚民族,而他走出民族传统领地时他的民族认同是组成国族的某个特定民族,而他走出国界时他的民族认同就变为国族。其中民族认同的说法是从主体的角度而言,然而从客体的角度来说的话就是民族背景。二是热爱民族的教育和宣传,它通过大众传媒、权威机构和学校引导个体热爱自己的民族。如果他表现出不尊重自己民族的话,很容易受到整个民族的排斥和惩罚。因此个体要时时刻刻通过自己在现实社会中的行为和在网络社会中的言论来表达他对自己民族的热爱和忠诚,我称此类行为和现象为民族正确,其中也包含着一些政治正确和文化正确的色彩。它有利于整个民族的团结,从而提高抵抗外来因素的冲击。但是民族正确的负面效应也非常明显,它容易禁锢个体的思想,从而导致整个民族缺乏创新的活力。

其次是现代意义上的民族在发展过程中形成的功利性特征。如前文所述,民族的功利性特征主要是从个体对民族的利用和消费的角度出发而产生的现象。个体对民族的利用和消费最主要的手段是脱离民族发展的实际状况,其中要么夸大或贬低民族在某些方面取得的成绩和存在的问题。但这种夸大和贬低无论怎么变化,都离不开脱离民族实际发展现状的本质。例如,有些人依托民族地区优势虚假迎合政治宣传,把自身关于民族研究的成果包装的金光闪闪,从而获得了公众的支持。我把这种现象称之为学术泡沫,因为它没有追求真理的角度出发做学术研究,更没有深入研究对象的生活和生产过程,所以其经不起时间的推敲和人民群众的考验。任由此类现象蔓延下去的话容易导致扎根于民族之中默默无闻地做研究的学者们的消声,甚至是消失。本文中提到的消声有三层含义;第一层含义是代表了真正做学术研究时所需要的消声,因为只有在自己做到消声的前提下才能与周围环境形成所谓的天人合一的状态,从而在学术方面做到宁静致远。第二层含义代表了自我保护式的沉默,因为学术泡沫横行的时代里自身学术思想还未足够成熟和强大的情况下,保持一种消声的状态下韬光养晦可以避免社会发展因素(政治、经济和文化等因素)的干扰。第三层含义是代表了厌世式的沉默,因为学术泡沫使某些观点一家独大后长期排挤其他的学术思想,而站在真理和真实这边的学术思想往往是重点打击的对象。这种现象容易导致人们对某些事物的发展不再抱有希望,因此在一些人用消声的方式表达了厌世式的沉默。在上文中提到的消声在这三个层面上都得到了充分的体现的话,就会造成某些人的消失。这种消失并不是指生命的结束,而是一种思想上的绝望和放弃。由此可见在本文中提到的消失主要是指个体灵魂(体验和感受)、良知和思想的消失。

二、民族与宗教

安东尼D.史密斯在《民族认同》一书中写道:民族是一个被命名的人口总体,它的成员共享一块历史性的领土,拥有共同的神话、历史记忆和大众性公共文化,共存于同一个经济体系,共享一套对所有成员都适用的一般性法律权利与义务。(52页)从他对民族的定义中不难发现一定数量的人口、领土、神话、历史、文化、经济和法律是构成民族的重要几个要素。其中神话体系中演化出的最重要的社会存在是宗教,各个民族中形成的不同宗教又经过几千年的融合与分化后发展成当今世界的四大宗教体系。宗教历史发展过程中到现在为止有些宗教是跨越不同的民族和种族,而有些民族内部中又存在着不同的宗教信仰,这种彼此间渗透的局面造就了安东尼D.史密斯认为的族裔宗教共同体。在这本中看到族裔宗教共同体概念之前我对民族和宗教有着截然不同的认识,我认为民族是现代化的产物,因此它随着现代化(例如,全球化的发展)在人类历史中的持续推进,将会逐渐发生解体。但宗教不一样,它的产生与科学有着千丝万缕的关系(人类对未知世界的探索和理解),因此只要科学还存在宗教就不会消失。然而我现在关于对民族未来发展的观点也许发生了改变,那就是在未来社会中只要科学存在的情况下宗教就会存在,而宗教存在的前提下民族绝不会消亡。

艺术故事读后感10篇


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艺术故事读后感 篇1

埃及,一个被笼上灰色面纱的神秘国度,金字塔,木乃伊,狮身人面像...还有被人们口口相传的危险诅咒,这一切的诡秘,不由得激起我们对于埃及的强烈好奇和探寻。一个有着悠久历史的国家,必然有其艺术历史的弥留,并伴有着古老的烙印在这个民族血液中的特殊含义,当我们亲手揭开那层面纱,看到藏在她背后的奇妙艺术世界。

艺术与信仰

埃及美术的产生与发展与他们的宗教信仰有着莫大的联系,他们崇拜太阳神,水神等其他诸神,在宗教的发展中,为了维系宗教的核心思想和内涵,必然需要用一些客观的方式是展现以及延续他们的信仰,由此便诞生了一系列埃及艺术品,而在当时,在他们的眼中,这些并不是为了审美的需要或者有着艺术的价值,并不能被称为是艺术品,而是他们的信念必需品,是民族宗教信仰的必需品。

在埃及,被学者们发现的大大小小的金字塔拔地而起,以及其中精美的葬品和壁画中,我们不难看出,这曾是一个辉煌的国度,世世代代掌握无上王权的国王,以及成千上万的劳动者和奴隶所共同铸就的一个国度。其中国王被认为是掌握权力的神人,相信法老是神的化身,是太阳神之子,在埃及人的眼中,要使灵魂到达了冥界,并继续生存,就得要使其肉体金刚不坏才得以保全,因此,便出现将国王的尸体制作成木乃伊这一行为,以达成他们内心所向往的永生。相应地,随之而来的是作为墓主人的永生住宅,其内壁装饰和结构修建,也便自然而然地成为了的重中之重。也正是这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一些列艺术的产生。

建筑的威严

埃及美术建筑追求体量巨大,雄伟壮观,由此给人一种至高无上的威严感,这一点在金字塔上显而易见。金字塔是古代七大奇迹之一,其中最为有名的胡夫金字塔,建于埃及第四王朝的第二个国王胡夫统治时期,该建筑原高145.5米,底面成正方形,每边长230多米。塔身有230万块巨石组成,而每块巨石大小不一,分别重达1.5吨至160吨。而如此宏伟的地理标识,不是大自然的天造地设而是埃及古人们的鬼斧神工。据考证,为建成大金字塔,一共动用了10万人花费了20年时间。由此可见,宗教信仰提供给一个民族的精神力量是多么的强大,直至现在人们仍对着几千年前的奇迹叹为观止。由于人们对于太阳神的崇拜,也赋予了金字塔是作为法老起上天的天梯,就是这样一座天梯又以角锥体呈现,意味着是刺破青天的太阳光芒。如是,在《金字塔铭文》中有这样一句话:“天空把自己的光芒伸向你,以便你可以去到天上,犹如拉的眼睛一样。”

雕刻的艺术

作为同样是为了保证法老永生的方式,除去木乃伊以外,他们还会叫来雕刻家,用坚硬的花岗岩雕刻出国王的头像,放置在无人可见的墓中,而法老也借助雕像得以长存。在保留带来的历代国王雕像中,我们可以看出,雕刻家们并没有选择以精雕细琢的方式去一一展现法老们的五官细节,他们在意的只有最基础的东西,而其次的细节皆被忽略。以我们今天的眼光看来,这些头像并不乏美感,虽然有着几何图形的刻板影子,但又不仅仅是停留在原始几何的生硬,依旧形象动人。当时的埃及雕刻家将对于自然的观察跟总体的匀称相协调,兼顾平衡,使得天平的两端得以均衡,而使得在肖像中向我们展现出了其古老悠久而又真实生动。

对于自然几何的深刻把控,使得我们能够欣赏到当时生动有趣的埃及壁画和浮雕,在当时,人们并不理解透视,以至于在他们的笔下呈现出的壁画让我们第一眼难以理解,但在那时,绘画对于他们来说并不具有审美价值,而是为了另一种目的的服务,艺术家们以尽可能的把他们所看到的一切事物都保留下来目的,好不好看不是关键,完不完整才是他们秉持着的原则。这些壁画,看似不符合视觉逻辑,如同儿童绘制一般,但实际上,他们在绘制过程中有着他们所坚持着的严格规则。无论是描述哪一样事物,他们都是从其最具特性的角度去记录。而正面律便是最能概括这一艺术特色的规律,以这种方式来表现人体,能够最大程度上地将人体的所有重要的东西都展现出来,而遵循这规律原因也是为了奉献给死者一个完整的'躯体。

除此之外,在埃及壁画表现中,术家想表达的也不仅仅是其对于事件的描述和人物的外形,在绘制过程中,在绘制过程中,也要传达出这幅画中人物的意义,会通过刻意地放大重要人物或是将重要人物展现在画面视觉的中心位来体现人物地位的尊贵。

永恒的艺术

埃及艺术最伟大的特色之处,就在于在他的建筑,雕像,壁画等一切艺术品中能够延续着统一法则,在每一个领域各安其位,各得其所。一以贯之,从而形成属于其自己民族的民族风格,形成永恒的艺术,永恒的风格。

艺术故事读后感 篇2

“没有艺术这回事,只有艺术家而已。”这是贡布里希书中的第一句话。他说,艺术在不同时代所指的事物会大不相同。诚然,艺术与审美分不开,而审美在现代是一件自由而私人化的事情;然而,追根溯源,想要从远古时期获得艺术定义——山洞中发现远古时期的彩绘,被现代人赞不绝口。可这些所谓的“艺术”放在几万年前,只是为了驯服猎物的而进行的涂画,其功能性职责远大于艺术属性。

“艺术是什么?”似乎是一道无解的题,无法用语言组织答案,但其实,答案早已写在艺术家的作品。《艺术的故事》是贡布里希版的艺术史,他用艺术家与作品的故事串联起艺术的数千年。书中,贡布里希尝试为读者建造连贯的艺术史理解。他乐此不疲地用故事引导读者读下去,并一次又一次带领读者跳跃式回忆之前提到的作品,配合着后半册的印刷作品,那些细细碎碎的“知识点”忽然在脑子里连成一线。

“艺术的故事中哪一个方面都不如这个方面奇妙可观——一条有生命的传统锁链还继续把我们当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。”贡布里希写到。历史没有所谓的“新篇章”,时代也不像图书章节一样,翻页即结束。任何作品都不是横空出世,每一位作家都会或多或少受前期某个艺术风格的影响,而每一个作品和故事也都回顾着过去又导向未来。西方古典艺术作品,对艺术史稍有了解的人都可以说出一二,但也经常会停留在作品罗列的层面。贡布里希就是在帮助读者往艺术的世界再进一步——建立艺术史思维网络。

贡布里希不仅在宏观层面上为读者建立史论基础,也在细致的描绘中尝试打破固有的“标签化”理解。为了朗朗上口,每一个时期都被总结出大致的标签,这也是“教科书史观”给人种下的刻板印象。例如,说起中世纪和它的艺术,“黑暗、控制、教化”等灰色调的词语会浮现在脑海里,这是一种碎片化和片面的理解。的确,优美、标准和生动不是中世纪作品的追求,意义才是。这个时期的绘画和雕塑形象不强调真实的描绘,而更注重背后的宗教意义。

然而,就是这种透过形象来研究象征和符号意义的过程打开了“图像学”的大门。如果说,埃及艺术表达的是知道的存在,希腊人细致的描绘眼睛看见的事物,而中世纪的艺术家开始在作品中表现感觉。比如,在欧洲的中世纪教堂中,不难看到彩色的玻璃窗——浓郁的红色和鲜明的蓝成为人物的底色——他们任意运用色彩,跳脱出感官的世界,更加注重感觉的表达。如此自由而任性的表现,恰恰是“被控制”的中世纪艺术家做到了。

贡布里希认为艺术家应该有“跳脱感观世界”的能力。“一旦艺术家最终彻底放弃把事物表现出我们眼见的样子,他们的面前将会展现多么伟大的前景。”然而,当下社会的儿童艺术教育很容易引领孩子放弃“伟大的前景”,他们被教育把天真的想象力框在“标准答案”里,所有的声音都在告诉孩子:“天必湛蓝,草必青青。”

文章开头提到,贡布里希认为没有艺术这回事,但他的后半句转折道,艺术家是真真切切的存在。“那些男男女女,具有惊人的天赋,平衡形状和色彩以达到合适。不仅如此,他们不肯半途中止,却时时刻刻准备放弃唾手可得的效果,放弃表面的成功,去踏踏实实的经历辛苦和痛苦。”他相信,在每个时代都会有艺术家诞生。当然,我们生活的时代一定也存在伟大的艺术家。只是身在其中,很难跳脱出看待“今日艺术”,也难以判定这是否是一个有利于艺术发展的时代。

这是计算机的时代,机器逐渐“人化”,甚至参与创作,这让艺术家不寒而栗;这也是资本的时代,时尚行业裹挟着艺术,他伤害着我们追求的审美自由。当世界在呼喊着“快速;消费;时尚”的时候,又该如何劝艺术家“去踏踏实实的经历辛苦和痛苦”?

本书的最后一章名为《没有结尾的故事》,贡布里希完成于《艺术的故事》随后的两次再版时(1966和1989),社会日新月异的变化引发了许多现实思考。书中提到一个细节,曾有一家报纸为了宣传艺术画展写道:如果想“继续参加艺术的赛跑”,作文定要参加当前的个人画展。

贡布里希反驳说:“根本没有这样的赛跑,如果有,那我们也最好记住龟兔赛跑的寓言。”

艺术故事读后感 篇3

Phivos:品牌的发展有四个阶段:功能认知,产品特性,品牌情节,品牌联盟。相比独特销售主张来讲,品牌更需要的是独特价值主张。故事思维不针对产品功能,除了情节还有主题,除了给出唯一解决方法,还鼓励人们相信产品之外的更多东西。除了了交流他们强烈赞同的理念或者价值观之外,还要解释为什么在利益驱使之下这个品牌依然能够存在。品牌是单层的,而品牌故事则是双层的。它们有一个共同的外层,是通过使用某一产品获得的结果或者功能性收益。但是,品牌故事又多了一个内层,这个内层给了品牌距离感和历史感。故事揭示内涵,但从不指明内涵。故事用说明性的介绍和逻辑论证直白地告诉我们作者打算传达的意思,那是社论而不是故事。读完故事,我们自己会判断它是否有意义。如同故事的主题,作为品牌最好留给别人去诠释,而非自己来解释。解释得越多,品牌的影响就越容易被忽视,甚至更糟糕,引起反感。品牌故事要着眼于超越现实。了解你的品牌信念以及它代表着什么,并且将它们展现出来。值得信赖的人从来不会告诉你他是值得信赖的。最好的书是将你已经知道的讲给你听。告诉别人他们已经知道的——这是品牌营销者应该从故事力量中学到的重要一课。用一种新的、更具关联性的方式来告诉我们,但是不会也不能改变这些东西的本质。市场营销的理念告诉我们,先研究客户;而故事思维告诉我们,需要先研究品牌。营销是品牌的理性目标,提高品牌利润则需要赋予品牌更好的人文价值。从故事思维的角度看,USP更像是一个故事的情节,UVP更像是故事的主题。真相不是发生的事情。真相是我们认为发生的事情。我们所说的不是事实,我们深信的才是事实。最有创造力的人都是那些集大成者。他们就像超级海绵,依靠感官吸收大量的信息,然后把这些信息与存储在头脑中的信息整合,瞬间完成转换:看待事物的新角度由此诞生。把品牌当作一种人们普遍认同的信念或者价值观,会促使一个品牌变得强大,而且使消费者和品牌之间的关系经久不衰,这要比仅仅从一个品牌独一无二的销售主张(USP)的角度来考虑问题要有效得多。

艺术故事读后感 篇4

亚里士多德说:“我们无法通过智力去影响别人,情感却能做到这一点。”小时候,我们都爱听故事。曾有这么一个故事,即使我们听到感觉无聊之极,“从前有座山,山上有座庙,庙里有个老和尚,老和尚在讲故事,从前有座山……”其实,有科学数据统计,爱听故事是人类的天性,基于感官的求知,植根于脑海,深埋于心智,即使随着年龄的增长,我们也不会改变爱听故事的习性。

在现实生活中,我们会发现即使很努力去做一件事,可还是不成功,要不就是离目标值相差太多,于是我们在论及成功与否的原因时,很多人会归结于命运、风势、人和、技艺等,事实上我们常常忽略了一点就是我们之所以失败是我们还不会讲故事而已。

“讲故事将会成为21世纪最应具备的基本技能之一。”著名作家丹尼皮克在《认同感用故事包装事实的艺术》一书中指出道。确实如此,会讲故事,代表个人口才能力强以及组织语言的逻辑思维好。会讲故事,代表着我们能地向这个世界较准确地表达我们的想法和创意。会讲故事,往往是个人成长过程中的重要品质之一。未来社会精英人才的必备技能之一就是口才了。“故事最重要的目的不是告诉,而是引导我们去思考,所以才是影响与说服的最佳工具。”包括我们在营销产品的时候,说服客户和投资商,引导他们走进产品的创意过程以及营销策略。

品牌的打造也和讲故事有关。原因在于品牌的塑造是要挖掘出一个有生命的原型,并通过故事进行包装,从而达到自身影响力和客户的认同感。大多票房极高的电影,美国电影行业塑造的超级英雄系列为什么会受到那么多人的喜爱呢?就是因为他们会讲故事,塑造有生命力、有内容情节的电影品牌。

书中还有一个观点,“最好的故事从不教人新东西。相反,最好的故事认同读者的想法,使每个读者感觉到他们的想法是聪明的,可信的,还会提醒读者他们是最正确的。”会讲故事的人受到欢迎,在于讲的故事引起读者共鸣,在心理学上叫做共情现象,勾起读者相似的记忆和情愫。

艺术故事读后感 篇5

读了这本书《艺术的故事》后,感觉它为我打开了一个崭新的世界,这也是我们学艺术讨论最多的一个问题创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新,艺术的风格怎样变化,一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢,不是,它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续,一个艺术创新的问题,就这点而言最适合学艺术来读的。

《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术着作,作者开宗明义:本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言,让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之,这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是:这是什么样的轮廓啊!显然,艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林,他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念,即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远,成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中,我们却看到了作者更简洁的手法,他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是,这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点,我们在阅读时将不难发现。

本书作者的另一个重要思想,即作者在前言中所交代的一个观点:一方面,在艺术问题的解决上,某个问题的解决方案无论怎样激动人心,都毫无例外的在别处激起了新问题;另一方面,艺术发展在一个方面有什么所得或进步,都必然会在另一个方面有所失,主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因,《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事,每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,因为在这个故事中,哪一方面也不如这样的景观奇妙:即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说,艺术为何会有一部历史?作者以其特有的方式给出了回答。因此,如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话,那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式,而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时,作者建立了一个社会情境的模式,这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是,作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻,真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度,正所谓意深而文明,使其写作本身就成了一种艺术。

西文艺术史的研究,从作为一门学科算起,已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前,主要集中在德语国家,所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初,艺术史研究中出现了一种趋势,即要为艺术史找到一种科学基础,于是学者纷纷把目光转向了心理学,并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何,例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称,就会妨碍人们对侧面像的描绘,要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界,就是这场与知识的破坏力量的斗争,以及要恢复纯眼的决心,使艺术从埃及的完全概念性的艺术走向了印象主义的完全知觉性的艺术。

艺术故事读后感 篇6

老师给我们推荐了很多艺术类的书,其中有一本叫《艺术的故事》,这本书很强大,被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家,也是最具独创性的思想家之一。

读这本书的时候,我怀着毕恭毕敬的心情,本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人,以前看书只要超过400页我都没有看完,我一直以来都没有读书的习惯,看着那些密密麻麻的字,总是耐不下心来,把一本书给读完,更别说从中找到乐趣了。但是,这本书好像有巨大的魔力,每天早上都催促着我起床,把我呼唤到图书馆,那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我,读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受,每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界,总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了,一开始的时候,觉得不就是画了12个人而已嘛,但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写,虽然篇幅不是很长,但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生,她真像是正在看着我们,而且她有着自己的想法。就在这里,作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图,可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是,凡是有可以做比较的参照物,作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页,具体是什么地方可以对比或者反衬,我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法,更是一种学习的态度。

在前言我被震撼了,看到了很多实话。作者骇人听闻地说:“现实中根本没有艺术这种东西,只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回,不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来,作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西,而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实,也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史,而是描述了一系列的“问题情境”,他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

读完这么一本厚厚的书,觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术,而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以,这本书值得我们去读。

艺术故事读后感 篇7

谈话本是再平常不过的事情,但对于教师的我们来说,如何使谈话成为一种自然、流畅、真诚的语言交流,这就让我有兴趣拜读《谈话的艺术》这本书。

?谈话的艺术》这本书是曾耶鲁大学知名讲师克莱泽所著。本书让我学会了一些谈话的技巧和实用性的建议,让我在社交活动中保持仪态,避免令人尴尬的沉寂和语塞,使自己成为受欢迎的人。

本书还让我认识到嗓子的重要性,让我学会如何保护好自己的嗓子。嗓子对于演讲者来说是非常重要的,如果嗓子出问题了,那再好的演讲者,再好的演讲稿也不能表达出来。而作为教师的我也深深体会到嗓子出问题了的严重性。前一段时间因为没有保护好嗓子,乱吃东西,导致嗓子发炎红肿,发不出声音,严重影响了我的教学工作。在课堂上想讲课,喉咙又发不出声音,我讲的辛苦,孩子们也听得辛苦,经过这次以后我也知道了保护嗓子的重要性,再也不敢胡乱吃东西伤害喉咙。

所以嗓子对于我们教师而言是十分重要的。广大教师群中得慢性咽炎疾病的不在少数,慢性咽炎已成为我们教师的职业病,而这是我们平时对嗓子运用不恰当或者讲课时声嘶力竭造成的结果。所以我们一定要在日常生活中好好保护好自己的嗓子。多进行正确,运用嗓子的训练。不要等到喉咙生病了才去重视。

艺术故事读后感 篇8

这本书讲述了100个各种各样的艺术家的故事。全书共100页,每一页都有一位艺术家的生平、人物名言。以及一个蕴含着深刻哲理的小故事,最后还有一个启示。它们大多数都是包含着一个简单易懂的道理。其中,我最喜欢的故事有:为丢勒祷告的手、施特劳斯的衬衫、海顿挑战风暴等等故事。这些故事都激励我们要勤奋学习、刻苦努力,为自己的理想而奋斗。想要成功,就必须脚踏实地,一步一个脚印的努力而执着的前行。

令我感触最深的就属机智敏锐的拉斐尔这个故事了。

意大利杰出的年轻画家拉斐尔,不但绘画才能超群,而且还是一位洞察力极强的人。文艺复兴时期,罗马富豪们大势显摆自己的富裕。经常召开宴席。由于拉斐尔有着卓越的成就,自然也不例外是受邀请参加宴席的嘉宾。可是他讨厌这种风气,所以总想找机会打击一下这些富豪们。

一次,拉斐尔和他的朋友们以及教皇等名流,被富豪阿戈斯蒂诺宴请吃饭。宴席十分气派,餐具全是昂贵的银具。阿戈斯蒂诺为了显示自己的荣华富贵。每当吃完珍宴,就会把银盘都丢到河里。大家大吃一惊,可拉斐尔却不以为然,悄声对朋友说:我料定他早就在河里撒下了大网,银盘一定都落在了网里,等我们走后他再将网捞起来。

为了证实自己的猜想,拉斐尔便在距离自己最近的银盘里作了记号。下次再来的时候,只要还能发现这只银盘......想到这,他们大笑起来。果然不出所料,当他们再次来做客时,便发现了那只银盘。他们当众揭穿了阿戈斯蒂诺的把戏,给了他一个深刻的教训。

名人看起来遥不可及,其实也是普通的人。只要我们学名人的精神和智慧,就一定会成为未来的名人。

艺术故事读后感 篇9

《艺术家的故事》这本书适合我们这样的青少年或是儿童阅读的书,这本事是由48个故事组成的,一共为7个章节,分别是“喜剧巨星”卓别林,雕塑大师罗丹,“印象派化的始祖”莫奈,全能天才达芬奇,咏唱生命之歌的柴可夫斯基,与命运抗争的强者贝多芬,还有音乐使者莫扎特。这几个题目鲜明的告诉我们它写的是关于一些名人的故事。

这个故事的前言还告诉了我们这些故事是在21世纪发生的,21世纪是一个充满竞争的世纪,少年儿童是未来的主人,在他们儿时所形成的兴趣、爱好、志向将印证在他们未来的一生。

现在我们大家也都发现了,大多数的家长都在采用填鸭似的教育方法,给孩子们造成了极大的痛苦,正如一头不想喝水的牛,人们总想用蛮力把它的头按到水中喝水……。这倒不如用讲故事的方法教育孩子,有人认为阅读名人做事是成年人的事,其实对一个很多方面已经定型的成年人来说,这只能算是锦上添花而少年儿童具有天然的可塑性,他们每阅读一个名人故事,就会在他们的内心深处进行一次雕塑,就像在他们不断升级的硬件中增添了一个又一个优秀的软件……。

这本书很适合青少年或儿童阅读,因为这里的48个故事能影响孩子的一生。你还在等什么,快来看吧!

艺术故事读后感 篇10

关于中外艺术家故事的读后感400字

《中外艺术家故事》主要讲了中国及外国众多名人成才的故事,他们成才的经历很值得我们学习,让我受益匪浅。

其中我觉得认真的米开朗琪罗最值得我学习。米开朗琪罗是意大利著名的雕刻家、建筑师,一次他全神贯注的雕刻一尊雕像,在即将告成时,一位朋友到他家来做客,欣赏他的作品,一段时间以后,朋友又来到他家,发现他还在雕刻,于是嘲笑他的动作比蜗牛还慢,作品跟上次看上去差不多,没什么区别。于是米开朗琪罗说:只有细节,才能成为完美的雕刻。他认真的态度和对细节的追求令我折服。平时我学习总是不太认真,有时较难写的字就记个大概,不注意里面的细节,还有些较难的数学题,不会也不认真思考,妈妈讲,不管懂还是不懂,装明白,不求甚解;要么听老师讲,只听个皮毛,就认为会了,一知半解。

《事实》读后感1500字


晚上下班回家后,把往常会放歌的习惯改成了听书。说起来上一次听书,已经是一个月前的事了。

晚上听了这本书叫《事实》,樊登读书会上的书语我非常喜欢,不要让直觉和情绪左右你的决定。

《事实》的作者汉斯,一生都在追求让更多的人看到世界的真相,他通过各种问卷问题,在如联合国大会、TED演讲、大学讲座等各种场合中,发现很多人,对世界的真相认知还停留在上世纪,认为现在世界上还有很多第三世界的国家极度贫困,他通过演讲和各种可视化图片让人们对世界有更真实的认知。

作者在书中介绍了人类的十项错误本能,具体包括如下:一分为二、负面思维、直线思维、恐惧本能、规模错觉、以偏概全、命中注定、单一视角、归咎他人和情急生乱等。

所谓一分为二是指人们总是将世界区分为富裕与贫穷这两种,一分为二的本能是错得最严重的,由于人们本能地把世界分为富人和穷人这两个非常具有误导性的类别,导致人们在脑海中对全球人口的分别产生了极大的误解。

作者说,通过他的努力,世界银行已经放弃了将国家划分为发展中国家和发达国家这种分类,但联合国和其他大型国际性组织仍采用此种分类。

所谓负面思维是指我们总是将自己的注意力集中在社会发生的负面事件上。作者也指出,媒体要为普通民众形成的负面思维承担一定的责任,因为媒体总是聚焦在负面事情上,并且将这些事情放大,从而造成一定程度的恐慌。

正如作者所言,我们感受到的世界,比真实的世界更可怕,这是因为我们注意到的信息都是被媒体精心选择过滤过的,而媒体可以选择那些吓人的信息来吸引我们的注意力。

早一段时间豆瓣评分很高的台剧《我们与恶的距离》,不正是在告诉我们,恶性事件造成的影响远比社会大众所感知的要小,但无良媒体对新闻的截取会误导观众对事实的认知么。

在这种负面事件发生之后,我们需要认清现实,不应该太过于悲观,正如作者所言,作为一个可能主义者,我看到了现实的进步,而这些,使我对未来更大的进步充满了希望。

这不是乐观,这只是对事实的真相有清晰和合理的理解。这需要建立一种建设性的、实用的世界观。发生了诸如砍人事件之后,我们需要引起关注,但更多的应该是思考砍人事件的发生原因以及如何避免此类事件的存在,而不是在全社会宣扬一种不安定的因素,这对于个人、对于社会都不会有进步。

所谓直线思维是指我们认为世界上的人口是一直持续增长的,这是一种错误的认识。那么如何控制直线思维呢?作者说:控制直线思维本能的最佳方式,就是每当我们看到一条直线的时候,我们就应当想到事物的演变有多种方式,不一定按照直线发展的。

这个方法有点类似于避免一分为二思维的方法,只不过直线思维的避免是从1到2到n,而一分为二思维的避免是从2到3到n。

在对恐惧本能的描述中,作者举出了自然灾害、飞机坠毁、核泄漏、恐怖主义等造成人类恐惧的因素,我很喜欢作者关于恐惧和危险这二者的论述,

恐惧和危险是两个不同的概念,可怕的事情,仅仅给了我们一种危险的感觉,但是另外一些真正危险的事情则会威胁我们的生命。过度关注可怕的而不是危险的事情,就意味着我们把自己宝贵的注意力放在了错误的方向。

读万卷书,行万里路,在作者身上,我看到了对这句话最好的诠释。当你可以对世界上大多数国家的知识信手拈来时,你的心中装着多么大的世界呀!

我认为用一生的时间与无知作斗争,传播实事求是的世界观,虽然有时会遇到挫折,但整体而言是非常快乐和激动人心的。

共勉!

《事实》读后感700字


《事实》这本书确实让我惊叹,写的非常好,非常值得推荐,近期看的很好的一本书,示例非常真,绝对不是论文那种凑数,所有示例都是亲身经历,作者真正做到了周游世界,开阔眼界,我以前知道出国为了开阔眼界,但是大多数出国就是为了散心,对自己眼界没有任何开阔。

作者深入世界各个地方的平民生活,通过自己的专业知识(医生)来接触人来开阔自己的眼界。作者确实善于思考,勇于冒险,精力旺盛,保持好奇心。后面两点确实极少人可以做到,以前上学时候觉得保持好奇心很简单,就是不懂那道题就探索,可是工作结婚后,好奇心几乎没有了,变成了油腻的中年人了,所以说保持好奇心真的是一种天赋,还有精力旺盛,这个我也觉得很难,几百万中有一个,这个天赋更难,《成事》这本书中间对旺盛精力的推崇,说成大事者寥寥无几,而他们的核心素质就是旺盛的精力,哪怕80岁,而现在年轻人死宅闷闷不乐,很抑郁成了一种大多数。

这本书也是外国人写的,但是作者是行万里路,才写出来的,很多作者是读万卷书写的,实践是检验真理的唯一标准,我希望把这句话写进宪法,作者写的每个文字都是用生命去写,因为作者完成这本书后就去世了,这让人感动。

读完这本书才知道什么是真正的世界主义者,心怀人类,真的是超级英雄那种胸怀,不是一种片面的民族主义,爱国主义。这确实是值得敬佩的作者。

下来说说书的内容,作者通过自己亲身事例,总结了十条人类容易犯的错误,当然这类书穷查理宝典里面也有类似的,但是芒格显然不是为了别人生存发展,而是一种炫耀科教般的演讲稿的集合,并且他只是搞金融投资,在自己专业的一些深刻总结,总的来说,《事实》这本书的事例是丰富而又生动的,让你印象深刻。书里面的事例都是那种比较开阔的,没有自己狭义人生感悟的矫情,是一种特别开阔的对人类的思考。道理都一样,可是事例不一样,给人的感觉完全不一样,仿佛一种升华。

《写给孩子的艺术故事》读后感600字


在这个暑假里,我读了许多书籍,其中让我印象最深刻的是《写给孩子的艺术故事》这本书。


这本书讲了绘画、雕塑和建筑三方面的内容。作者用讲故事的方式、孩子喜欢的语言来介绍一个个艺术大师的故事,从中也讲到了每个国家的画法和每种类型的画家的特点。


令我印象最深刻的情节是介绍后印象派的部分,因为后印象派的画的风格很特别,线条都是扭曲的,而且我也很喜欢这一类的画作。这种画法的创始人是保罗.塞尚,他是一位著名的法国画家,他创立了后印象派,这个派系作品的特点其实就是比印象派的画更立体一些


我最喜欢的画家刚好就是一位后印象派的画家,他的名字叫做文森特.凡.高。他刚开始是在艺术品商店工作,后来他就做不下去了。他又做了老师、牧师和煤矿传教。从这以后,他开始给矿工画画。后来,他弟弟给他寄钱,还送他去巴黎学绘画。后来,他变得疯疯癫癫。他的朋友跟他开玩笑说:“我想要一件礼物,如果你没有任何礼物的话,就把你的一只耳朵送给我。”圣诞节前,他果然把自己的一只耳朵送给了他的朋友,当时把这个人吓坏了。


我最喜欢他的两幅作品,一幅是《星空》,一幅是《向日葵》。我学到的优秀品质是:不要在途中停下来,一定要坚持干完一件事,这才叫真正的胜利。

《文化认同论》读后感800字


文化认同一直是人类生存和发展历史中值得探讨的永恒话题,文化认同在社会发展与进步中扮演着重要的角色。了解文化认同的相关知识能够帮助我们更好地学习文化本身,提升对大社会发展背景的了解。
郑晓云在本书中共利用六个大板块来介绍文化认同的理论知识,并且在前言中详细地谈到在全球化时代的文化认同,从全球政治、经济、文化以及全球传媒、互联网迅速发展等多个角度来阐释文化认同之于世界发展的重要性。作为本书的支柱,六个章节的分类简洁明了。其中,第一章作者从文化存在与发展的主位因素;文化认同在文化结构中的地位;文化认同与文化模式三个方面讲解作为文化核心的文化认同的内容。在第二章中,着重介绍文化认同的过程与形成。通过对这一章的品读,使读者明白文化认同并非是一朝一夕的结果,而是一个长期的文化过程。单独的个人作为社会单位中最基本的个体,是构成群体认同的必不可少的因素。个人认同对群体认同,乃至于民族认同发挥着重要的作用。这也告诉我们的单独个体,自己对于这个社会的健康发展所起到的作用,从而警示人们应该为社会发展做出必要的努力。
说是艰涩难懂的理论书籍,其实讲述的便是最基础的知识。我们从小便知道自己是中华民族的一份子,但是知道中华民族形成的诸多因素的人却是为数不多。郑晓云在书中为我们讲述了文化认同与民族认同的关系,说到民族认同是民族构成的一个要素,顺流而下,讲到民族认同与民族特征,然后把民族认同与民族发展结合起来。历史的车轮历来少不了政权的压轴,政权同样与文化认同有着千丝万缕的关系。除了从纯理论的角度讲述文化认同的相关内容,作者还从现实层面来探讨文化认同对社会的影响。即从澳门这个特殊单位,讲述其回归后的文化认同与整合研究。不光是澳门,还是像台湾、香港这样曾经沦为殖民地的地区,亦或是一个独立的国家,都能从其社会文化背景来分析其发展历史及现状前景。这便启示我们对一个理论的研究不仅仅是要从表面理解,更要结合实际,才能更好的懂得理论的深刻内涵。

事实读后感600字(3)篇


从小听过一句话,以事实为依据,以法律为准绳。这本书说的就是前面这部分。文章用了大量的事实,帮助人们认识自己的认知缺陷。分析了存在于大部分常人的偏见。《思考快与慢》也本书用了系统一和系统二说明感性与理性在人脑中的差异,产生原因。其实人有偏见或者说人喜欢感性思考问题很正常,这样省脑子,也就是省能量。为什么要省能量呢,因为匮乏。这本书另外一点做的比较好的地方,就是用收入将国家进行了划分,我没想到的是第一级收入的人群生活的如此不堪。每天都挣不到2美元。另一方面讲,中国地大物博,处于发展中国家行列,这个也有点笼统,按这个划分方法,大部分省份都是第四级的水平,一部分是第三级,很少以下了。如果再细分,可能个别村镇还可以归入第二级。这种事实让我们可以了解到中国乃至世界近些年高速发展带来的变化,少一些妄自菲薄,多一些乐观希望。推荐给大家。

本书用最新数据说明世界并非大多数人想的那样糟糕,相反地,正变得越来越好。作者用一系列的气泡图,直观地展现了世界的剧烈变化,印象深刻。作者分析了认知偏差的原因:知识过时、外界误导和错误思维。更新知识、规避误导已属不易,纠正本能思维更是难上加难。书中指出人类认知的十种错误思维,分别是一分为二、负面思维、直线思维、恐惧本能、规模错觉、以偏概全、命中注定、单一视角、归咎他人、情急生乱。这些惯性思维和情绪化的本能会遮蔽住事实的真相,让我们作出情绪化的误判。纠正这些错误思维的方法是养成“数据思维”,用数据去印证和解释,而且是最新的数据。不过,数据要和思维配合,思维才是君王。即使数据足够新和多,也无法展示全部的事实,这时候需要实事求是的世界观和方法论。

因为比尔盖茨推荐的才进来,但观点很多和思考快与慢,一本书读懂财经新闻,马克思主义,人性的弱点很像。综合而言,一句话,人要冷静,全面,辩证,发展地看待事实以及思考事实背后存在的真相。虽然如此,这种思维能够固化成为一部分,却不是一件简单的事。我想起我身边读书不多的朋友,总喜欢以偏概全就人论事,极度相信个人的观点而忽略每个个体不同的情况,又或者十分片面的评价一个人,喜欢给人戴帽子。由于天性追求个性独立,自认为可以包容各种不同的意识形态,不同的人生状态,也会好奇地去聆听,感受他们的活着的声音,所以我一般就是有则改之,无则加勉。别太在意他人的眼光,按照自己方式活着,而这个我觉得应该也是作者应该引申考虑的部分。事实不应该只是现有的现象事实,还应该有人际的事实。

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